Как часто вы рассматриваете чужие дома и заглядываете в окна? Не со злым умыслом, а так — ради любопытства. Такая бытовая девиация в поведении присутствует у многих. А в сочетании с хорошим воображением так и вовсе открывает новый «параллельный мир». Что там за закрытыми дверьми и плотно задернутыми шторами? Такими же вопросами задавалась главная героиня фильма Рэйчел (Эмили Блант), каждый день проезжая на поезде в Нью-Йорк мимо тихого респектабельного района, где она раньше жила. Но внимание Рэйчел привлекает не столько свой дом, где теперь живет ее бывший муж с новой семьей, сколько дом по соседству где живет красивая и счастливая на первый взгляд молодая пара. Рэйчел с тоской наблюдает за ними, придумывая им имена, профессии, привычки, фантазируя, какой дома у них уклад, как они относятся друг к другу. Так Рэйчел «замещает» свою разрушенную семейную жизнь. И вот в один прекрасный день незнакомка из дома по соседству исчезает…

«Девушка в поезде» — экранизация успешного романа Полы Хокинс по версии The New York Times, который даже не преминул похвалить «мастер ужаса» Стивен Кинг. Что же до режиссера экранизации — Тейта Тейлора, то его имя, в свою очередь, стало известно благодаря фильму «Прислуга», который был отмечен различными кинонаградами, и весьма заслуженно. Собственно, руководствуясь этими фактами, можно было ожидать фильм очень «женский» и не обмануться. И дело тут даже не в трех главных героинях, вокруг которых и строится сюжет. В киноверсии все-таки акцент идет на Рэйчел — на ее трагедию, переживания, ее восприятие мира. В каком-то смысле ее образ можно назвать собирательным — сколько в Нью-Йорке, Милане, Москве — в любом крупном или не очень городе — одиноких молодых женщин, оставшихся в какой-то момент своей жизни наедине со своими страхами и демонами? И здесь раскрывается другая сторона этой киноленты. «Девушка в поезде», на самом деле, очень жесткий и жестокий фильм. И дело тут не в перипетиях сюжета (о которых здесь нельзя написать даже в общих чертах — ибо спойлер) и не в специфических сценах (рейтинг 18+ здесь оправдан полностью). «Девушку в поезде» часто называют второй «Исчезнувшей» — там тоже известный роман и его талантливая экранизация, но почему-то теперь «Исчезнувшая» мне видится несколько «декоративной» и неправдоподобной. Плюс она не оставляет такого гнетущего впечатления, как данный фильм.

Но ничего бы этого не было без блестящей актерской игры Эмили Блант, и, как я написала выше, хорошо, что весь акцент повествования смещен именно на нее. Что касается героинь Ребекки Фергюсон и Хейли Беннетт, возможно, в книге они и имеют равное значение, но в киноверсии они представлены как «альтернатива» Рэйчел. Анна (Ребекка Фергюсон) «воплощает» в себе все мечты Рэйчел о счастливой жизни — дом, семья, ребенок, а Меган представляется Рэйчел как «сверхидеал». Оттого Рэйчел и впадает в ярость, когда этот идеал рушится. Что касается мужского актерского состава — их персонажи несколько схематичны, но в данном сюжете это некритично. И главный конфликт фильма — это прежде всего схватка Рэйчел со своим сознанием, где ей нужно убить «жертву» в себе, а не с одним из них.

Фильм посмотреть определенно стоит, даже если это совсем не «ваша тема». Несмотря на все эти сонные созерцательные пейзажи, обилие диалогов, несколько сюжетных линий, фильм очень динамичный и в нем сложно потерять нить повествования (если вы, конечно, будете внимательным). И с неожиданной концовкой, даже для искушенных «фанатов жанра». 8/10

https://www.sakhalin.info/weekly/123713

Под конец 2016 года студия «Марвел» заготовила еще одну кинобомбу. На экраны вышла история о становлении верховного мага Земли — Доктора Стрэнджа, которая переносит супергеройскую вселенную в ранее неизведанный мир эзотерики, астральных путешествий и прочего потустороннего, паранормального, сюрреалистического. Запуск франшизы про Стрэнджа, очевидно, стал вопросом жизни и смерти для студии — топовые персонажи уже приелись, оригинальные сюжеты даются все сложнее и сложнее, альтернативные версии — затея опасная, а «развитие» второстепенных персонажей с абсолютно иным, провокационным подходом — очевидно, аттракцион на один раз (что доказывают «пробуксовки» с созданием второй части Дэдпула). А Стрэндж и его мир — огромный простор для кинотворчества. Все эти трансформации пространства и времени, извечное «столкновение» востока и запада, науки и духовности. «Доктор Стрэндж» был обречен на успех хотя бы поэтому. Создателям фильма лишь необходимо было поработать над грамотным обрамлением — визуальной составляющей, логичным сюжетом и мощным актерским составом.

С последним справились на ура. Главного героя сыграл Бенедикт Камбербэтч, а в его актерском таланте сомневаться не приходится. Хотя лично у меня были опасения насчет этого каста — все-таки в комиксах прообразом Доктор Стрэнджа послужил известный актер Винсент Прайс, а Прайс и Камбербэтч все-таки представляют разные типажи — последний более изящен и рафинирован, да и роль Шерлока накладывает некий отпечаток. Но все-таки Бенедикт Камбербэтч сумел полностью вжиться в роль — его Стрэндж получился харизматичным, убедительным в своей заносчивости и в своей доблести. Зато много копий было сломано насчет Тильды Суинтон, которая сыграла Старейшину. В комиксах это мужчина, но создатели фильма, руководствуясь тем, что Старейшина — это прежде всего титул, а не пол, пригласили на эту роль Суинтон и не прогадали. Ей не впервой играть древнейшее существо «не от мира сего», которое хранит тайны бытия и мироздания. Здесь она органична донельзя. Что же до главного антагониста — он бы остался безликим и невнятным, если бы его не сыграл Мадс Миккельсен. Тот случай, когда актер вытянул на себе персонажа. Второстепенные герои тоже подобраны весьма рационально — каждый на своем месте, диссонанса с оригинальными комиксами нет. За исключением барона Мордо. Я не сомневаюсь в актерских способностях Чиветела Эджиофора, но мне теперь интересно, как будут создатели фильма выбираться из того тупика, в который себя сами загнали, поменяв Мордо расу и, соответственно, происхождение, так как это имеет вес в дальнейшем развитии сюжета.

Но это будет дальше, а за сим не будем спойлерить и остановимся на сюжете непосредственно «Доктора Стрэнджа». Итак, Стивен Стрэндж — заносчивый и напыщенный, но не лишенный таланта нейрохирург с блестящей карьерой и признанием в научном сообществе. Человек «горел» на работе, и в итоге это с ним сыграло злую шутку. Стрэндж попадает в автокатастрофу, где весь удар пришелся на его руки. 7 неудачных операций и долгий восстановительный период. Но Доктор Стрэндж не может смириться с судьбой. В итоге, задействовав свои последние средства, он отправляется в Непал, движимый эфемерной целью, которую как человек науки он не может до конца осознать. Но в итоге Стрэндж становится учеником в храме Старейшины, пытается постичь иные измерения, параллельные миры и найти долгожданное исцеление.

Собственно, сценаристам удалось главное — показать «мутацию» из человека науки, светила нейрохирургии в личность, которая наделена не просто суперсилой, а древней магией. К слову, в обширной вселенной «Марвел», помимо Стрэнджа, магией обладают всего несколько топовых персонажей. Но все-таки хотелось бы какой-то целостности. Понятно, что данный фильм — начало франшизы, но концовка его очень сильно провисает, есть какое-то чувство недосказанности, из серии финала «на самом интересном месте».

Все эта магия, мистика, по которой «Марвел» проходится весьма поверхностно, стала отличным полигоном для компьютерной графики, впечатляющей операторской работы и прочих визуальных прелестей и «плюшек». «Доктор Стрэндж» завораживает своей картинкой, представляя удивительную фантасмагорию. Особенно в сценах с «зеркальным измерением». Только ради этого фильм стоит посмотреть на большом экране.

Резюмируя все вышеизложенное — переход киновселенной «Марвел» в другую стилистику произошел успешно. Не знаю, какое место займет этот фильм в иерархии супергеройских лент этого года, но то, что он запоминается и отличается среди них — это факт. А мы пока морально подготовимся к новому году экранизаций комиксов. Что там по списку? «Росомаха Логан», сиквел «Стражей галактики», неприлично юный «Человек-паук» и «Рагнарёк» у Тора? Отлично, будем ждать. 7/10

https://www.sakhalin.info/weekly/123474/

Мультипликационный фильм «Кубо. Легенда о самурае» (в оригинале «Кубо и две струны» — я не понимаю, чем не устроило это название российских прокатчиков) от Laika Entertainment продолжает традиции этой студии. Laika не пытается догнать своих более крупных конкурентов, чьи анимационные творения направлены сугубо на широкую аудиторию с соответствующим масштабным аудиовизуальным рядом, эта студия избрала другой путь. Во-первых, Laika специализируется в основном на stop-motion анимации, а во-вторых, вся фильмография базируется на мистических историях, напичканных разными монстрами, приведениями, мрачными пейзажами и общей меланхолией. При этом их художники и аниматоры делают эти мультфильмы увлекательными и «смотрибельными». Десять лет назад зрители с ума сходили по мультфильму «Труп Невесты» — совместной работе студии Тима Бёртона и Laika, потом был самостоятельный хит «Коралина в Стране Кошмаров», затем, к сожалению, не столь успешные в прокате, но получившие все-таки положительный отклик у критиков «Паранорман» и «Семейка монстров» (оригинальное название The Boxtrolls). И все эти фильмы были номинированы на Оскар как «Лучший анимационный фильм». Если так пойдет и дальше — то Laika рискует стать Леонардо Ди Каприо от мультипликации. И вот в этом году выходит пронзительная история, основанная на японском фольклоре.

Мультфильм рассказывает о мальчике по имени Кубо — сыне самурая и волшебницы. Отважный самурай погиб, пытаясь защитить свою семью от вероломного бессмертного Лунного короля, а Кубо с матерью теперь вынуждены прятаться на высоком утесе. Но периодически Кубо спускается в деревню, чтобы развлечь ее жителей своим сверхъестественным умением — когда он играет на своем сямисэне, фигурки оригами оживают, иллюстрируя тем самым различные истории, которые рассказывает мальчик. И вот однажды злые духи все-таки нашли убежище Кубо и он был вынужден отправиться в дальнее путешествие за доспехами отца, чтобы победить Лунного короля и его чудовищ. В попутчики Кубо достается строгая, но справедливая обезьяна и бестолковый, но смелый жук-скарабей. Вместе они должны одолеть жестоких лунных сестер и вернуть мир в тихую японскую деревушку.

«Кубо. Легенда о самурае» является очень грамотным, сложным и гармоничным слиянием stop-motion анимации и компьютерной графики. Благодаря этому, картинка, особенно сцены боев или моменты с ожившими оригами, действительно завораживает, хотя мультфильм особенно красочным не назовешь. Цветовая палитра здесь приглушена, но по-другому никак — как, в противном случае, передать созерцательность и сдержанность японской культуры, призрачный потусторонний мир, на который здесь идет сильный акцент? Именно поэтому мультфильм обязателен к просмотру на большом экране — чтобы до конца проникнуться всем этим, рассмотреть каждый кадр и каждую деталь в нем. Что же до драматургии, хочется похвалить создателей фильма — они сильно старались сохранить некоторую аутентичность истории. Здесь вы не найдете заигрывания с современными реалиями, безудержных шуток, неоправданного гротеска. Мультфильм определенно способен вызвать чувство грусти, особо сентиментальным зрителям нужно запастись платками — в фильме достаточно драматичных и жестоких моментов. На самом деле, «Кубо. Легенда о самурае» — это пример анимации для взрослого зрителя (и не смотрите на ценз 6+), поскольку он поднимает довольно сложные темы взаимоотношений в семье, жертвенности, прощения, плюс еще — взаимодействие мира живых и мира мертвых. Также стоит отметить, что этот фильм, так сказать, «не для всех», а больше для фанатов жанра, ценителей японской культуры, для всех мастей эстетов, которые за просмотром будут уделять внимание каждому элементу повествования. Но если вы настроены на эту волну, то «Кубо. Легенда о самурае» будет для вас шедевром и вполне заслуженно. 8/10

https://sakhalin.info/weekly/123183/

Сознаюсь сразу — я большой поклонник режиссерского гения Бёртона. То, что выходило на большой экран в полном метре — от «Битлджуса» в 1988 году до «Суини Тодда» (включительно) в 2007 году — шедевры. И то, на мюзикле про демона-парикмахера с Флит-стрит уже чувствовался какой-то подвох, который лично я списала на формат жанра. А то, что выходило у режиссера дальше, было очень масштабным, красочным, зрелищным, но уже без того обилия гротескного макабра, характерного для более ранних работ Тима Бёртона. Исключение только составляют «Мрачные тени» и «Франкенвини», вышедшие в один год. Но у «Мрачных теней» и так имелся крепкий базис в виде оригинально концепта сериала конца 60-70-х годов, а «Франкенвини» — мультипликационная версия короткометражки Бёртона 1984 года — по сути, старая работа в новой оболочке. И «Дом странных детей Мисс Перегрин» также можно посчитать типичным «бёртоновским кино» лишь наполовину. А жаль.

Сюжет фильма, которой является экранизацией одноименного романа Ренсома Риггза, довольно прост. Подросток Джейк отправляется на поиски приюта для детей со странностями, о котором ему рассказывал дедушка. В итоге он находит этот дом в английской провинции вместе с его обитателями и наставницей Мисс Перегрин, которая постепенно открывает Джейку тайны дома-убежища. Сама книга Риггза вошла в список бестселлеров The New York Times, но по большей части из-за своих иллюстраций — старинных и довольно пугающих фотографий, которые Ренсом Риггз и его друзья собирали на протяжении нескольких лет. И если литературный успех обеспечили эти фотокарточки, то успех кинематографический должен был обеспечить именитый режиссер, который специализируется на этой тематике. На самом деле, выбор режиссера здесь абсолютно логичен и понятен. И, отдать должное, первая половина фильма порадовала типичным для режиссера подходом. Бледный «томный юноша со взором горящим» Джейкоб, старинный викторианский особняк и быт 40-х годов, как раз в разгар войны. Очевидно, что Ева Грин сменила Хелен Бонем Картер на посту главной музы Бёртона — ее Мисс Перегрин драматична, эксцентрична, ее образ проработан до мелочей. Что же до остальных обитателей дома — они также колоритны, каждый в своей странности. Воздушная девушка-мечта Эмма, огненная Оливия, юный «доктор Франкенштейн» Инок, импозантный Гораций, милые каждая в своем «недостатке» девочки Фиона, Бронвин, Клэр, даже невидимка и близнецы — каждый из них способен очаровать зрителя. И поначалу, когда действие, как мы думаем, происходит в загробном мире, все это воспринимается органично. И даже в монстрах — Пустотах — и главных отрицательных персонажах очевиден почерк режиссера. Но, к сожалению, этого запала хватило только на первые полфильма. Я склона «винить» в этом сюжет. Он и в книге, что называется, «провисает», а при переносе на экран — и подавно. В итоге история получилась чрезвычайно эклектичной, будто связанной из разных ниток, набранной разными петлями на разные спицы. И если раньше Тим Бёртон мог направить этот фрик-парад по правильному маршруту, то в данном случае сложилось впечатление, что концовку фильма он, если «не слил», то занимался ей явно между делом. В качестве небольшого лирического отступления — в 2015 году вышло издание The Napkin Art of Tim Burton: Things You Think About in a Bar, которое представляет собой сборник эскизов и набросков на салфетках, которые Тим Бёртон делал между совещаниями, деловыми переговорами или просто сидя в баре. Занятный альбом, кстати, — не знаю, есть ли его русскоязычное издание, но, если вдруг встретите, рекомендую приобрести. Так вот. Там много разных эскизов, некоторые из них переросли в полноценные раскадровки любимых многими фильмов, а другие так и остались на салфетках. И возвращаясь к «Дому странных детей Мисс Перегрин» — сложилось такое впечатление, что над первой частью фильма режиссер работал кропотливо, с большим участием к деталям, лично контролируя весь процесс от и до, а когда дело дошло до кульминации и развязки, что-то пошло не так, и Тим Бёртон выдал своей обескураженной команде пару очередных салфеток с бара отеля «Ритц» с наброском, как должна выглядеть сцена бойни между Пустотами и скелетиками с корабля, пообещал сняться в камео и удалился со съемочной площадки. В итоге, казалось бы, типичный бёртоновский макабр на пристани выглядит несколько чужеродно, хотя это одна из главных сцен в этом фильме. То же самое можно отнести к финальному противостоянию главного героя со злодеем Бэрроном (потрясающая роль Сэмюэля Л. Джексона) — оно тоже получилось какое-то все неловкое и сумбурное.

Но в целом «Дом странных детей Мисс Перегрин» больше состоялся, чем нет. В разы монументальнее и интереснее всего того, что выходило в этом году в прокат для данной целевой аудитории. Фильм, безусловно, посмотреть стоит, даже если вы не фанат бёртоновского стиля. И напротив, фанатам, несмотря на вышеизложенные недостатки, будет интересно находить общие черты с «Большой рыбой», «Сонной лощиной» и тем же «Франкенвини». 7/10

https://www.sakhalin.info/weekly/122576/

Получая гран-при Каннского кинофестиваля за этот фильм, режиссер Ксавье Долан не сдерживал волнения, отметив, что «предпочитает безумие эмоций мудрости равнодушия». Эта, казалось бы, случайно оброненная фраза помогает максимально точно охарактеризовать новое творение Долана. Ибо в нем градус безумия эмоций одной отдельно взятой семьи зашкаливает, затем детонирует, обнажая драматургический остов истории их взаимоотношений. Ксавье Долан впервые в своем творчестве сконцентрировался именно на семейных отношениях, а не только на конфликте главного героя с матерью, как это было прежде в его творчестве. Очень сильная полубиографическая пьеса Жана-Люка Лагарса в основе сюжета, блестящий актерский состав (Гаспар Ульель, Натали Бай, Венсан Кассель, Марион Котийяр, Леа Сейду), атмосферная музыка Габриэля Яреда, перемежаемая узнаваемыми хитами, и фирменная Долановская игра на полутонах, полуэмоциях, обрывках фраз и авторские визуальные приемы делают эту киноленту, с одной стороны, очень зрелой и взвешенной, с другой — очень характерной для всего творчества любимца Канн.

Сюжет одновременно прост и непредсказуем. Успешный драматург Луи (Гаспар Ульель) решает приехать к своей семье, которую не видел 12 лет. Видимой причины для такой долгой разлуки не было, а сейчас Луи хочет по настоящему, по-человечески попрощаться, поскольку он смертельно болен. Семья Луи — это эксцентричная неунывающая мама (Натали Бай), юная сестра Луи Сюзанна (Леа Сейду), которая заочно влюблена в образ брата и жаждет его внимания, казалось бы, больше других, неуравновешенный и грубый старший брат Антонио (Венсан Кассель) и его кроткая жена Кэтрин (Марион Котийяр), которая Луи-то никогда и не видела. И казалось бы? ничего не предвещало беды, но через хитросплетения диалогов, порой коротких и вынужденных, порой долгих и на повышенных тонах, до зрителя постепенно, но верно начинает доходить трагедия этой семьи. Нет, это не болезнь Луи. Это — невозможность услышать и понять друг друга.

Бойкая, но при этом чрезвычайно ранимая Сюзанна пытается увидеть в Луи свои мечты о другой жизни. Она не может вырваться из этой действительности по-настоящему, ей нужна помощь. Мама, за чей видимой невозмутимостью и ярким макияжем скрывается нерастраченная любовь к сыну, которую, она по какой-то причине так и не может выразить и вместо этого заставляет Луи солгать во спасение каких-то эфемерных взаимоотношений в семье. Кэтрин, которая пытается неловко поддержать «светскую беседу», с трудом подбирая слова, с широко распахнутыми глазами наблюдая за Луи. Есть такая гипотеза, что, мол, она единственная, кто понимает, что с Луи творится что-то не так. Не совсем с этим можно согласиться. Скорее, она смотрит на него с некоторым изумлением и растерянностью, он для нее как существо из другого мира, такого непохожего на повседневность Кэтрин. А вот кто действительно чувствует, что с Луи что-то не так, это, как ни странно, скандальный Антонио. Ибо он сам на самом деле глубоко несчастен, и оттого он так остро чувствует несчастье других. И именно это раскрывается в его финальном монологе.

Что же до главного героя, безукоризненная актерская игра Гаспара Ульеля позволяет зрителю остро прочувствовать его оглушительное одиночество. Он единственный, кто ничего не требует в этой семье. Ему нужно лишь одно — чтобы его просто выслушали. И он, как та птица в последней сцене, каким-то чудом вылетев из часов, бьется о глухие стены непонимания. Для птицы это плохо закончилось. Впрочем, и для Луи так же.

«Это всего лишь конец света» — кино вне времени. Оно всегда будет актуально, всегда будет к месту, а изящная и искренняя подача режиссером такого материала зрителю делает его еще более пронзительным.

https://www.sakhalin.info/news/121457