Очередная часть эпичной многомиллионной (и в плане средств, и в плане аудитории) саги от вселенной Marvel уже успела пострадать от российских адаптаторов, превратившись из «Гражданской войны» в «Противостояние». Собственно, оно, конечно, основной сути не меняет, но несколько смещает акценты — и наш зритель теперь будет упорно проводить параллели с недавно вышедшей от DC Comics картины «Бэтмен против Супермена». Безусловно, фильмы в чем-то схожи, но в данной рецензии не хотелось бы скатываться до сравнительного анализа двух студий — двух вселенных — и говорить об очевидной новой тенденции в данном кинематографическом жанре — сталкивание альфа-героев со всеми вытекающими последствиями. Об этом и так не раз скажут и не раз напишут. Все-таки стоит сконцентрироваться именно на оригинальной истории «Гражданской войны», которую режиссеры — братья Руссо — весьма аккуратно перенесли со страниц комикса на большой экран, с большим участием к самым мелким деталям и, конечно же, со всей эпичностью и размахом. А история эта о том, что некоторые из Мстителей, движимые лучшими побуждениями и действуя во благо мира, сей мир лихо разрушают, оставляя десятки человеческих жертв. Правительственные службы негодуют и в ультимативной форме призывают команду Мстителей подписать акт о регистрации супергероев, вынуждая их раскрыть свои личности и координировать свои действия с вышестоящими инстанциями. Гений-миллиардер-плейбой-филантроп Тони Старк, испытывающий уже перманентное чувство вины перед человечеством, поддерживает этот акт, в то время как бравый Капитан Америка с принципами, будто вылитыми из того же материла, что его щит, считает, что данный акт в корне противоречит Мстителям и их идее. Весь этот конфликт развивается на фоне внезапного появления Зимнего Солдата, террористических атак, тайных заговоров и отголосков вездесущей Гидры.

Читать далее Первый мститель: Противостояние — война была равна, схлестнулись два добра →

Я сторонник «вдумчивых» походов в кино — не стоит идти на фильм из праздного любопытства, и по возможности нужно всегда тщательно узнавать о фильме всю информацию. Потому что «ты есть то, что ты ешь» — данный принцип работает не только для физического питания. Ты так же есть то, что слушаешь, читаешь, смотришь. Так вот с «Высоткой» я в этом плане дала маху. «Антиутопия, Том Хиддлстон, Джереми Айронс, эстетика 70-х» — радостно пронеслось в голове. А вот тот факт, что это экранизация одного из романов гуру психопатологических триллеров Джеймса Балларда как-то пролетел мимо. И очень зря. Меня бы это не остановило от просмотра, но настрой у меня бы был другой, и впечатления от фильма были бы не столь смазанными. Но получилось, как получилось.

Это далеко не первая экранизация Балларда. В далеком 1996 году фильм Дэвида Кроненберга по одноименному роману «Автокатастрофа» буквально «порвал» Каннский кинофестиваль. Фильм, повествующий о сексуальных девиациях, окрестили «скандальным», «аморальным», «порнографическим», но «Особый приз жюри» все-таки дали. И по моему скромному мнению, исключительно благодаря мастерству демонического Кроненберга — режиссер просто «вытянул» и выжал из романа все, что могло сделать киноленту «смотрибельной». Дело в том, что романы Джеймса Балларда, особенно того периода его творчества, когда он из научной фантастики «свернул» в сторону смакования различного рода психических патологий, абсолютно не подходят для экранизаций. Это совершенно «неснимаемые» сюжеты и истории, которые великолепны в литературе, но в кинематографе они возможны только посредством жесткой адаптации, и и как я уже отметила выше, режиссерского мастерства. «Высотке» не повезло ни с первым, ни со вторым.

А начиналось все не так плохо. Урбанистический пейзаж «Высотки» — здания, где элита общества занимает верхние этажи, а средний класс — все, что ниже, образуя тем самым некую камерную модель общества, — встречает одинокого врача-физиолога Роберта Лэнга (Том Хиддлстон). Он неспешно начинает обустраивать свой быт, знакомится с другими жителями, но очень быстро все происходящее мутирует в какой-то гибрид паноптикума и кунсткамеры, театр абсурда. Нет, если, конечно, попытаться отвлечься от обнаженного Хиддлстона в шезлонге и бесчисленных сцен яростных сношений на фоне мусорных пакетов под звонкую кавер-версию хита Abba S.O.S. в исполнении Portishhead, то, наверное, можно отследить тезис о том, как растлевает личность технологический прогресс и социальное расслоение общества, а также иллюстрацию того, что лишение личности элементарных благ цивилизации и, скажем так, принудительный выход ее из зоны комфорта чреваты последствиями в виде морального разложения и деградации. Но вот почему данный, безусловно, глубокий и важный тезис реализован так сумбурно, невнятно, местами даже мерзко? Бесконечная фрустрация главного героя не трогает, не впечатляет, не поражает. Постапокалиптические декорации, сцены за гранью фола, поставленные с широким размахом, не вызывают никаких эмоций. Акт оголтелого искусства ради искусства, как он есть.

Я даже не знаю, кому можно порекомендовать данный фильм. Для арт-хауса он слишком вышколен и прилизан, для жанра антиутопии — слишком абстрактен, для массового зрителя — он просто «слишком» во всех смыслах. Думаю, что даже крепких фанатов литературного таланта Джеймса Балларда данная кинолента расстроит.

Баллы ставлю только за наличие Тома Хиддлстона и винтажный дух 70-х: 3/10.

https://www.sakhalin.info/weekly/114910

Я удивлена, что данная лента венгерского режиссера Ласло Немеша все-таки вышла в российском прокате. Несмотря на собранную линейку почти всех крупных кинонаград, представление этого фильма нашему, так скажем, «непритязательному» зрителю — мероприятие сомнительное. Например, я смотрела этот фильм в почти пустом зале. Но «Сын Саула» более чем достоин зрительского внимания. Очевидно, что этот фильм не для всех — на него невозможно сходить как бы между делом с целью занять чем-то свободный вечер. «Сын Саула» из тех кинолент, на которые нужно идти со стабильным настроением, пройдя самостоятельную моральную подготовку. Фильм определенно даст вам пищу для размышлений, для глубокого (само)анализа.

Режиссера Немеша уже упрекнули в выборе темы. Мол, беспроигрышный ход для многочисленных жюри — кто осмелится критикировать кино про Холокост? Тема настолько щепетильная и болезненная до сих пор, что все выходящие произведения искусства, которые касаются ее, впадают в некий вакуум. Критиковать нельзя и «не заметить» нельзя — обвинят в цинизме в обоих случаях. С другой стороны, нужно иметь безрассудную смелость, чтобы снять именно такой фильм в качестве дебюта в полном метре. С непрофессиональным актером в главной роли и мизерным бюджетом. С отсутствием стандартной структуры сценария и очень своеобразной операторской работой. Вопреки всему. Но отчаянность режиссера окупилась сторицей.

«Сын Саула» — это одни сутки из жизни венгерского еврея Саула Аусландера в Аушвице. Саул — член зондеркоманды, состоящей из узников концентрационного лагеря. В его обязанности входит сопровождать новоприбывших в газовую камеру, а затем обрабатывать помещения, в грудах оставленной одежды находить и сдавать что-то ценное, уничтожать «вещи». Такой термин звучит для определения останков жертв. Члены зондеркоманды работают только 4 месяца, а потом их уничтожают аналогичным образом. Жернова машины смерти крутятся исправно, горе и ужас становятся рутиной, зондеркоманда — лишь инструмент в этом структурированном хаосе, не более. Саул делает все машинально, не фокусируясь на окружающем его аде и суматохе, он не проявляет никаких чувств и эмоций, практически ничего не говорит, и кажется, что практически не дышит. Но однажды жернова на секунду останавливаются. В подростке, который после газовой камеры прожил чуть дольше, чем другие, Саул внезапно узнает своего сына. И теперь тот, через которого прошли сотни ужасных смертей, а после тотальное забвение, пытается по-человечески похоронить сына — проходя через все круги ада в концлагере, он ищет раввина, прячет тело, копает настоящую могилу. Параллельно с этим остальные члены зондеркоманды, понимая, что скоро придет их черед, пытается поднять восстание в лагере, по крупицам собирая для этого все нужное — мелкими подкупами охранников собирает оружие, порох, пытается сделать фотоснимки, чтобы задокументировать зверства, происходящие в Аушвице. Все это повествование происходит неспешно, на одной ноте, без лишних сентиментальности и трагедии. Ужасная, но обыденность. Очень хорошо это передает операторская работа — камера как бы следует за Саулом, зритель будто заглядывает ему за плечо. Остальное все — в расфокусе — серые бараки, черные котельные, бурый от крови пол, сизый дым, всполохи огня, «вещи», которые волоком таскает зондеркоманда, на всем этом камера не задерживается дольше секунды. Зато мы во всех подробностях видим лицо Саула — но оно будто бы пустое, только огромные темные безумные глаза.

Режиссер не гонится за большим количеством деталей, не раскрывает характеры и истории персонажей так называемыми флешбэками или же длинными монологами. Однако зритель понимает, что безликий узник с красной отметкой на спине раньше был обычным и, наверное, даже неплохим человеком по имени Саул Аусландер, у него была семья, работа, мирная жизнь. Всего три краткие сцены помогают нам понять это: первая — момент, когда Саул прячет фотоаппарат от эсэсовцев, вторая — встреча с узницей Эллой в женском бараке, третья — краткий разговор Саула с Абрахамом. Сильнее всего зацепила сцена встречи с Эллой, девушкой, которая явно знала Аусландера прежде (Кто она? Жена? Родственница? Просто знакомая?), но которую не узнает и не признает Саул. То есть та крохотная крупица его человечности, души, может быть, только потрачена на мертвого «сына», нежели на нее — пока живую Эллу, стоящую перед ним и смотрящую ему в глаза.
Происходящее на экране «давит» зрителя со всех сторон. Ласло Немеш не церемонится со своим зрителем — из-за «расфокуса», приглушенных оттенков, разрешения 1,37:1 в картинку приходится всматриваться, вглядываться, как в темный туннель или в глубокую яму. Порой это выматывает, но с другой стороны, когда мы вместе с главным героем достигаем апофеоза, катарсиса — мы способны прочувствовать его от и до. Освобождение, свет, очищение.

И возвращаясь к теме Холокоста в кинематографе — все-таки Ласло Немеш не спекулирует на ней. Да он обращается к ней, но скорее в ее реалиях рисует свою историю, которая в общем-то не о геноциде и не о войне. Она, прежде всего, о человеке, которого лишили возможности быть человеком. Почти. 10/10

https://sakhalin.info/weekly/114662/

Ох уж эти драматические, эпические кинопрочтения всем известных сказок на новый лад. В последнее время этот тренд в кинематографе набирает обороты — от «Сказки сказок» по Джамбаттисту Базиле (в нашем прокате — «Страшные сказки»), получившей статус «Культурного достояния» Италии, до диснеевской «Малефисенты», благодаря которой выяснилось, что не все то любовь, что принц. Такие фильмы отличают, как правило, сильнейший актерский состав, колоритные монументальные декорации и локации, кропотливая работа художников по костюмам, спецэффектам, а сюжет и концепт таких лент призван рвать привычные шаблоны, каноны в мелкие клочья, развивая их по ветру. Повествование обычно здесь выдержано в мрачных тонах, присутствует атмосфера сурового реального Средневековья, короли оказываются не столь благородны, а отрицательные персонажи оказываются не столь однозначны в своей коварности.

Все это присутствовало в первом фильме «Белоснежка и Охотник», который вышел на экраны 4 года назад. Изначально это было весьма рискованное мероприятие — это была далеко не первая экранизация «Белоснежки», и готическая хоррор-эстетика тоже использовалась прежде (например, в 1997 вышел довольно жесткий фильм «Белоснежка: Страшная сказка» с Сигурни Уивер). Также скепсис у публики вызвал и выбор актрисы на роль Белоснежки — Кристен Стюарт. Но в итоге все лавры достались Шарлиз Терон — настолько она была великолепна и органична в роли злой мачехи — королевы Равенны. Женская аудитория была покорена Крисом Хемсвортом — охотником печального образа. Две номинации на Оскар — за костюмы и визуальные эффекты — подтверждают, что со зрелищностью у первой части тоже было все в порядке, да и сюжет был вполне целостный — в духе «и жили они долго и счастливо». И внезапно — новости о съемках приквела.
На самом деле, «Белоснежка и Охотник 2» — не совсем «приквел». Но и продолжением истории его тоже нельзя назвать в полной мере. Конечно, данный фильм адресован прежде всего тем, кто смотрел и полюбил первую часть, но акцент здесь смещается с конфликта Равенны и Белоснежки на историю охотника Эрика. И сразу же создатели фильма приготовили жирный киноляп, который почти сразу смазал впечатление от сюжета второй части. Помните, что говорил брат королевы Равенны о жене Охотника? Я вот запомнила, а создатели «Белоснежки и Охотника 2» — нет. В итоге мы имеем притянутую за уши логическую связь между фильмами, которую, кстати, легко было избежать.

Не будем о грустном и сосредоточимся на новых персонажах сказки. Мы знакомимся с сестрой Равенны — Фреей (Эмили Блант), которая «стала ведьмой от горя и бедствий, поразивших ее» — точнее, Снежной Королевой, которая построила в северных землях империю с многочисленным беспощадным войском охотников. В ее царстве существует мораторий на проявление человеческих чувств, таких как привязанность, сострадание, любовь. Но в отличие от сестры, которая наслаждалась своим могуществом и уверено шла по головам ради своих целей, Фрейя — героиня противоречивая, и «сердце прекрасной девы, которое обратилось в лед», все-таки бьется и сопереживает. Создатели вроде сначала начали бодро развивать данную трагическую линию в фильме, но ко второй половине пыл их угас. А жаль.

На самом деле, это, наверное, «общая» проблема второй части — легко подхватив мрачную, холодную атмосферу, дополнив ее полярными льдами и массовостью, создатели совершенно не развили драматичность, убрали все, что могло бы породнить фильм с триллером или хоррором, и свернули в сторону очередного фэнтезийного водевиля с шутками про гномов. Вторая проблема — становится очевидным, что из истории сделают франшизу, где связующим звеном будет Охотник. На мой взгляд, это несколько обесценивает все повествование.

Лучше вернемся к визуальному ряду. Ибо фильм стоит обязательно посмотреть, хотя бы из-за потрясающей картинки. Съемки проходили в Френшеме в Великобритании, но происходящее на экране воспринимается как нечто совсем из потустороннего мира — мрачные леса, изумрудная зелень, густые туманы. Локация северных земель — монохромность и строгость, отвесные скалы и бескрайние снежные равнины. И конечно же, костюмы главных героинь, над которыми снова работала Коллин Этвуд — ей удалось весьма успешно подчеркнуть антагонизм Фрейи и Равенны серебром и золотом, а финальная битва получилась и вовсе игрой на контрастах. Честно говоря, быстро разочаровавшись сюжетом по вышеизложенным причинам, я почти два часа продолжительности киноленты рассматривала костюмы и наслаждалась пейзажами. Что, собственно, тоже неплохо — иногда просто хочется созерцать, а не анализировать.

Поэтому очередное, бесспорно, впечатляющее кинопрочтение известной сказки для повзрослевших детей идеально подойдет для просмотра в конце напряженной рабочей недели. Эскапическая функция здесь представлена в полной мере. 7/10

https://sakhalin.info/weekly/114584/

«Кловерфилд, 10» оставался до недавнего времени одним из самых загадочных проектов, и только одна, как бы случайно оброненная фраза продюсера Джей Джей Абрамса о том, что этот фильм — «кровный родственник» триллера «Монстро» 2008 года, имеющего в оригинале название Cloverfield, обеспечила тезке с цифрой возможность точно избежать провала в прокате. Все-таки «Монстро» — один из лучших фильм-катастроф своего времени, а также ярчайший пример того, как грамотная пиар-кампания может принести бешеный успех изначально низкобюджетной (по сравнению с другими фильмами данной тематики) ленте. Если перейти на частности — я никогда не любила триллеры и хорроры «от первого лица», коих развелось великое множество, все эти «эффекты присутствия», «трясущаяся камера» навевают на меня тоску, и я считаю, что в данном жанре были только две хорошие картины — это «первопроходец» «Ведьма из Блэр» и непосредственно сам «Монстро». Кроме того, «Монстро» при довольно стандартном и несколько заезженном, вторичном сюжете умудрился «держать зрителя» до конца. У этого фильма была удачная «открытая» концовка, которая и не смазала впечатление от фильма и при этом заинтриговала публику на многие годы вперед.
Прошло 8 лет. Информация о сиквеле то появлялась, то оказывалась «фейком». Так, например, по сети «гулял» якобы постер нового фильма с Эйфелевой башней (кстати, запомните эту «пасхалку», когда пойдете в кино на «Кловерфилд, 10») — мол, место действия с Манхэттена перемещается туда. И вот внезапно появляется трейлер «кровного родственника», то ли сиквела, то ли спин-оффа — фанаты «Монстро» в ступоре и в радости одновременно, но уверенно собираются в кино. Что же они получили?

Вот сейчас будет большой соблазн проспойлерить, но я буду аккуратна. Итак, сюжет — молодая девушка Мишель после бурной ссоры с парнем в ночи едет по трассе, попадает в аварию. Приходит она в себя уже в некоем бункере-убежище, где с виду добродушный бывший военный Говард (его играет бесподобный Джон Гудман) сообщает, что он спас ей жизнь от химической атаки, которая сделала мир за пределами построенного им бункера непригодным для жизни. Помимо Мишель, в бункере живет такой же товарищ по несчастью Эмметт. С этого момента начинается неспешное описание быта столь разных троих людей, которые волею судеб (или нет?) оказываются вместе в одном пространстве.

«Кловерфилд, 10» набирает скорость только к последней трети фильма, где он резко меняет настрой, интонацию и даже жанр, превращая фильм в симбиоз известнейших романов Джона Фаулза и Ричарда Мэтисона (угадайте каких). Наверное, экранизация столь занятного литературного кроссовера выглядела бы именно так. Впрочем, мы отвлеклись.

Что же мы имеем в «сухом остатке»? Как дебют режиссера Дэна Трактенберга эта картина, конечно же, состоялась. Трактенберг сумел объять необъятное — в одном фильме стандартного хронометража показать и драму, и психологический триллер, и фантастический экшен. И без ущерба сюжету — что самое главное. Что касается «Монстро», конечно же, «Кловерфилд, 10» — не сиквел и вряд ли спин-офф или кроссовер. Возможно, продюсеры решили сваять из этих двух лент франшизу, но, на мой взгляд, крайне странная идея. Как они ее будут развивать? Будут с большой периодичностью снимать фильмы на данную тему, но с разным сюжетом и героями, чтобы когда-нибудь их объединить в одном фильме, где будет объясняться, почему пал Нью-Йорк и другие города? Вопросов больше, чем ответов.
Джон Гудман, как и ожидалось, «вытянул» на своем актерском мастерстве весь фильм. Впечатляющее перевоплощение, игра на контрастах, он «раскрыл» в полной мере противоречивую натуру своего героя — если что-то и вызывает сильные эмоции при просмотре, так это оно.

В целом «Кловерфилд, 10» хорош в заданном жанре, особенно, если при его просмотре не оглядываться постоянно на «Монстро». 8/10

https://sakhalin.info/weekly/113970/