Гильермо дель Торо — один из узнаваемых режиссеров, причем уже настолько, что как только становится известна фабула того или иного проекта – понятно, что именно этот режиссер приложил к нему руку. Конец 30-х, закат бродячих цирков в духе Барнума, фантасмагория и нуар, поданные как притча от том, куда приводят людские пороки. Своеобразное переосмысление «Уродцев» Тода Браунинга. Кто сейчас такое может снять впечатляюще и пронзительно, если не Гильермо дель Торо? Если его предыдущая работа «Форма воды»  — типичный для него фильм, страшная и романтическая сказка, то «Аллея кошмаров» — абсолют его режиссерского таланта. При том, что здесь дель Торо отошел от привычного ему формата бестиариев – единственный монстр тихо взирает на происходящее из формалинового сосуда, самая страшная тварь здесь человек, а вся мистика разбивается о цирковые трюки. Гениальные, хорошо продуманные, обоснованные в психологии, но все-таки трюки.

В каком-то смысле «Аллея кошмаров» актуальна как никогда. По миру ходят обозы инфоцыган, ярмарки вебинаров и семинаров личностного роста, где пришедших препарируют и влезают им под кожу так же ловко, как и главный герой фильма – человек не то что бы шибко талантливый, просто старательный, внимательный к деталям и беспринципный. А большего не требуется – вот происходит стремительный полет из грязи в князи. Знакомо, не правда ли, все это «духобесие»?

Впрочем, это слишком схематичное описание сюжета, согласна. Главный герой в исполнении Брэдли Купера, не так уж прост в своем злодействе и алчности. Там своя травма в анамнезе, и к финалу к нему даже испытываешь некое сочувствие. К слову, тут никого при всем своем коварстве не назовешь стопроцентным злодеем – даже героев Уиллема Дефо и Ричарда Дженкинса как-то у режиссера получается пожалеть. Женский состав здесь подобран восхитительно – три женских образа как три мира главного героя. Провидица Зена (Тони Коллетт ) – неприглядная изнанка мира бродячих цирков, грязь, шарлатанство, рвачество и беспросветная тоска. Психотерапевт Лилит (Кейт Бланшетт) – сверкающие интерьеры ар-деко, дорого, богато и, конечно же, опасно. И для главного героя, поддавшемуся всем искушениям сразу, этот мир становится адом. Молли (Руни Мара) – как нервный и трепетный ангел-спаситель главного героя. Как ни странно, именно ее образ сложный и многогранный, несмотря на то, что это обычная девушка из бродячего цирка. У Гильермо дель Торо всегда есть такой, казалось бы, второстепенный персонаж, который ведет всю историю и создан из символов и мелких деталей – это постоянное умирание на сцене, плитки шоколада, ее роль в финальной мистификации дают объем истории, дополнительный смысл. Но в итоге главный герой не приживается, не становится счастливым ни в одном из миров, он ищет что-то, он не может примириться со своей натурой, поступается принципами, теряет бдительность, нарушает «цирковые заповеди», и в итоге кара не заставляет себя ждать. Причем в самой страшной форме.

Поэтому «Аллея» кажется нам переложением культового фильма  Браунинга – но в более масштабном формате, со многими и многими иносказаниями, предысторией, попыткой исследовать происхождение зла. И повторимся, этот сюжет актуален как никогда.

Что же до визуально-технической составляющей – она превосходна (хотя допускаем мысль, что для некоторых зрителей может быть слишком специфической). Истинный нуар по всем правилам, который сначала перемежается с сюрреализмом циркового балагана, а потом с грошовыми ужасами эдвардианской эпохи. Музыка, операторская работа, монтаж содержат в себе по-прежнему всю ту магию, которая очаровала зрителя во времена «Лабиринта Фавна».

«Аллея Кошмаров» — тот фильм, который можно пересматривать многое количество раз, открывая для себя новые смыслы и детали истории. Как, впрочем, всегда было с фильмами дель Торо. 9/10

Мимо этого фильма невозможно пройти, ибо он при внешней мнимой стандартности и форматности произвел эффект взорвавшейся бомбы. Серьезно, в Facebook до сих пор невозможно зайти, не наткнувшись на пост из серии «я тут посмотрел Lords of Chaos, я вот что имею вам сказать…». И действительно, если даже весь этот норвежский true black metal движ прошел от вас по касательной и много лет назад, то Lords of Chaos равнодушным не оставит.

Не буду соблюдать обычную структуру кинообзора. Во-первых, пардон, мне самой от нее по известным причинам уже душно и тесно, а во-вторых, вся информация в духе «Юнас Окерлунд, бывший музыкант, который когда-то играл в Bathory, снял фильм про убийство Евронимуса» и «Луи Каше до сих пор не может потушить то, что у него полыхнуло после выхода фильма — правительство Франции вводит режим ЧС» легко гуглится и без меня. Поэтому просто позволю несколько тезисов и пространных мыслей. Их будет всего семь:

— Фильм сделан с душой, с участием и вниманием, для себя. Здесь больше про Окерлунда, чем во всех его клипах и редких фильмах — оно и понятно. Он как-то умудрился избежать голливудского лоска, которым, по идее, он должен был как режиссер пропитаться весь за столь огромный творческий путь. С другой стороны — этот человек снял Smack My Bitch Up для The Prodigy, My Favourite Game для The Cardigans, Music для Мадонны, Fuel For Hatred для Satyricon, Beautiful для Агилеры, один из самых известных концертников Rammstein и «бог с рогами» знает что еще. Вот чего уж, а переключаться и абстрагироваться Юнас Окерлунд умеет. Lords of Chaos оставляет впечатление уютного, как треники с финальной сцены, камерного, авторского кино — и это огромнейший плюс.

— Я уже упоминала это в рецензии к совершенно другому фильму (хотя сейчас закралась мысль, что они в чем-то весьма похожи) — по эпохе 90-х только начинают ностальгировать, еще огромное количество тем и реалий этой эпохи, которые кинематограф не осветил от слова «никак». И вся эта возня вокруг норвежского блэк-метала к ним, несомненно, относится. Конечно, были робкие попытки — но не то. Lords of Chaos — это первое нечто внятное на эту тему.

— Многие обвиняют фильм в однобокости, мол, история подана с одной стороны. Естественно. Любой байопик будет подан лишь с одной стороны (победителя, кек) — это издержки жанра. В начале, кстати, есть отличный дискламер «основано на правде и лжи». Также сыпятся упреки, что Окерлунд, Мойнихэн, Сёдерлинд и рядом с теми событиями не стояли, взгляд их на это поверхностный и извне. Но представьте на минуту, что дед Гришнак слезает со своего трактора и начинает снимать о своих прошлых подвигах фильм, где его самого играет расово верный Билл Скарсгард? Страшнааа? Вот и я о том же. Некоторые вещи хорошо видеть чуть поодаль, чтобы понять весь масштаб.

— По вышеуказанным причинам и не только спокойно воспринимаются и ляпы, и откровенно провальные сцены. Это не тот фильм, который обязан быть шедевром. Финальная сцена, конечно же, — фейл. Как и Dead cо златыми кудрями, бегающий по лесу во флешбэках аки Леголас. Но в этих провисающих сторонах есть свои шарм, гротеск, постирония, если хотите.

— Да и в общем-то в фильме полно специфического юмора. «Это Варг, он уже семь церквей сжег», до этого монолог Варга на сложных щах про позеров в контракционных лагерях, сцена с интервью — лично я смеялась в голос. Особенно учитывая, до каких серых мышей дотусовался нынешний месье Каше, да и другие непосредственные участники тех событий.

— Каст. Опять же — кроют матом за несоответствие, но опять же — это художественный фильм, экранизация книги (то есть, по сути, уже «вторичный контент») — о какой документалистике и портретном сходстве может идти речь? А между делом подбор актеров вполне неплох. Рори Калкин — находка для создателей фильма, он и тащит на себе действо. От «Почему-меня-играет-пухлый-еврей?!!!» Эмори Коэна требовалось сыграть неуклюжий комок комплексов и абсолют юношеского максимализма — да, образ получился собирательный, но все-таки он получился.

— Возможно, все выше мной сказанное похоже на оправдание Lords of Chaos. Но почему бы в кои-то веки не защитить хороший, добротный фильм от несубъективного хейта? Прикладной смысл в действии. Lords of Chaos все-таки удалось главное для кино данной направленности — соблюсти дух, настрой той эпохи, показать ее без прикрас и без преувеличения. И как мы видим, это нашло свой отклик.

8/10

Новое творение мастера страшных сказок Гильермо дель Торо всколыхнуло воду в кинематографических кругах задолго до своего релиза. Данную ленту можно считать долгостроем — если верить режиссеру, то работа над фильмом началась 7 лет назад. Форму (пардон за тавтологию), нужную дель Торо, произведение приобретало долго. Хотя вектор изначально был задан максимально точно — ретрофлер, немного научной фантастики, немного фэнтези и, конечно, специфичный, особенный «дельторовский» сорт хоррора. Пусть даже в данном случае это аллюзия на классическую серию ужасов Universal. Вы и не вспомните об этом, как только произойдет полное погружение.

А начинается оно с будней Элайзы. Каждый вечер она встает по будильнику, чтобы успеть на ночную смену уборщицы в научной лаборатории. Она живет в крохотной комнатке над старым кинотеатром, любит туфли, мюзиклы и вареные яйца на завтрак. У нее замечательный сосед — одинокий художник, окруженный кошками. И замечательная коллега по работе Зельда, которая всегда «прикроет». В общем, Элайза — самая обычная девушка, со своими маленькими радостями, страстями, недостатками, которой ничто человеческое не чуждо. Не сказочная принцесса, не «Мэри Сью», а тот персонаж, которого можно было встретить и в 60-х, и сейчас. Как капля в море — таких же девушек. За исключением одной детали — Элайза нема с детства. Однажды в лабораторию в условиях строжайшей секретности привозят «создание из Чёрной лагуны» — человекоподобную амфибию, которую нужно изучить, причем без лишнего шума, в реалиях Холодной войны. Но Элайза видит в существе не объект исследования, а вполне разумную и чуткую личность. Чуткую настолько, что Элайза немедленно влюбляется…

Что подкупает в «Форме воды» сразу же — это его неспешный, убаюкивающий, как шум волн или стук дождя, темп повествования. Причем здесь абсолютно нет статичности — движение в кадре непрерывно, но это никак не мешает зрителю созерцать. Второе, за что стоит полюбить этот фильм, — ненавязчивое стилистическое обрамление из 60-х. Почему-то данной эпохе в кино всегда достается какая-то нарочитая, почти гротескная глянцевость — образ идеальных жен с нереальными улыбками, с идеальными прическами, сильные бравые мужчины, все это на фоне красочных домиков, красивых «Кадиллаков». «Форма воды» представляет совершенно иную действительность. Хотя все вышеперечисленное и существует в фильме, но в качестве сарказма, издевки, небольшого штриха к портрету главного антагониста Стрикленда. «Форма воды» — это неонуар в чистом виде, почти все его действие происходит ночью, в отблесках от истинно черного до сизого цветов с редкими темно-красными акцентами. Движение главных героев плавные, легкие. Визуальная эстетика здесь соблюдена от и до, при всей мрачности ленты она не давит, а наоборот, растворяет аудиторию в своем повествовании.

Хотя Элайза и ее возлюбленный лишены дара речи, в «Форме воды» много звука, много музыки, диалогов, монологов. Шум воды, болтовня Зельды на работе, снабженная грубоватым юмором, монологи Стрикленда о конфетах и собственном превосходстве, перемежаемые хитами Гленна Миллера, Кармен Миранды, Бенни Гудмена, Катерины Валенте. Но это настолько органично вписано в повествование фильма, настолько не отвлекает на себя внимание, что все равно фильм хочется назвать «немым». Музыка здесь — не цель, а средство — она задает темп, обеспечивает нужный эмоциональный тон, расставляет нужные акценты.

Что еще можно сказать о «Форме воды»? Этот фильм характерен для Гильермо дель Торо, это чуть ли не квинтэссенция его творчества, и об этом стоит помнить, когда вы соберетесь в кино. Но с другой стороны — несмотря на все девиации, физиологические подробности, сцены жестокости, насилия, очень взрослый юмор, это все-таки мелодрама. Романтичная и пронзительная. 9/10

Оригинальный текст по ссылке https://sakhalin.info/weekly/145634 — ставьте плюс если вам понравилась рецензия, минус — если нет, присоединяйтесь к обсуждению на форуме ;)

«Лаймхаузский голем» (именно так звучит в оригинале название) обратил на себя внимание больше года назад во время 41-го кинофестиваля Торонто. Почему? Потому что викторианские грошовые ужасы, готические новеллы в руках умелого режиссера — феерия загадочной атмосферы, мрачной нуар-эстетики и смелых сюжетных поворотов. «Сонная лощина» и «Суини Тодд» Тима Бертона, «Багровый пик» Гильермо дель Торо — да эти фильмы на любителя по большому счету, но для тех, кто «в теме», они шедевры, достойные многократного созерцания. И радует, что жанр все-таки остается на плаву — благодаря свежей режиссерской крови в лице Хуана Карлоса Медины и сценарному опыту Джейн Голдман («Женщина в черном», «Дом странных детей Мисс Перегрин», франшизы Kingsman и «Люди Икс»).

И как часто бывает в этом жанре, «Голем» — экранизация романа. Наш современник Питер Акройд представил роман «Дэн Лино и Голем из Лаймхауса» (второе название — «Процесс Элизабет Кри») на суд читателя в 1994 году. Все произведения Акройда представляют то или иное «новое прочтение» готической литературы, хотя некоторые его герои — реально существовавшие исторические личности, но все истории окутаны мистицизмом. В той или иной степени. Итак, события в «Големе» разворачиваются в лондонском районе Лаймхауз, где происходит серия жутких убийств. Жертвами становятся люди разных социальных слоев, разного возраста, разного вероисповедания, объединяет их одно — жестокость и полное отсутствие улик. Молва окрестила загадочного убийцу Големом — существо из еврейской мифологии, созданное из глины и оживленное с помощью магии. Раскрыть это дело полиции Лондона не представляется возможным, и поэтому они отдают его инспектору Килдэру (Билл Найи), чья репутация уже запятнана. В случае чего и ему терять нечего, и полиция Лондона спешно умоет руки. Параллельно с этими событиями в Лондоне происходит суд над Элизабет Кри (Оливия Кук) — артисткой мюзик-холла, которая обвиняется в убийстве своего мужа — журналиста и неудачливого драматурга Джона Кри. Эти две, казалось бы, никак не связанные истории, складываются в лондонский узор — быстро и захватывающе.

В чем первая и главная прелесть «Голема» — он очаровывает с первых минут и держит внимание зрителя до финальных титров. При всей сумбурности повествования из конца в начало, обилии флешбэков и других кинематографических приемов «Голем» интригует, хочется разглядывать каждую его деталь, вслушиваться в каждый диалог. И это верно. Чем внимательнее будет зритель, тем больше его поразит финал. Эстетика викторианского хоррора здесь представлена глубже и атмосфернее, чем зловещие закоулки, ночь, туман, маргиналы всех мастей, а в старинных роскошных особняках достопочтенные томные леди и достопочтенные джентльмены, прячущие несколько скелетов в своих шкафах. Точнее, здесь это тоже все есть, но ко всему этому прибавляется разнузданная атмосфера мюзик-холла — балагана и водевиля во всех их блеске и нищете.

Что касается героев и актерского состава, здесь тоже все великолепно. Инспектор Килдэр — рыцарь без страха и упрека, хоть и весьма уставший от своей судьбы. Билл Найи, конечно, весьма гармоничен в этой роли, но то, что она писалась изначально под Алана Рикмана, — очевидно. Удивила Оливия Кук — она смогла достаточно убедительно передать всю многогранность своей героини. И, конечно, Дуглас Бут в роли звезды мюзик-холла, комика Дэна Лино, — отличное перевоплощение, все самое колоритное, комичное и одновременно драматичное в «Големе» на ним. Заставили улыбнуться эпизоды с Карлом Марксом и Джорджем Гиссингом — но особой смысловой нагрузки на сюжет они не несут.

Что касается детективной составляющей фильма, сюжетных поворотов и их развязки — они действительно непредсказуемы, неожиданны, и такую кинематографическую эйфорию я как зритель не испытывала со времен «Престижа» Нолана. И тот случай, когда спойлеры действительно могут быть токсичны.

И если в фильме есть некоторые несостыковки, опускаются некоторые немаловажные детали, которые были в книге, — это тот случай, когда достоинства фильма перевешивают недостатки. Замечательный, атмосферный фильм, идеально подходящий под «осеннее» настроение. 9/10

Оригинальный текст по ссылке https://sakhalin.info/weekly/140977 — ставьте плюс если вам понравилась рецензия, минус — если нет, присоединяйтесь к обсуждению на форуме ;)

«Бегущий по лезвию» 1982 года — легендарный фильм Ридли Скотта по легендарной книге Филиппа Дика — в то время стал откровением для кинематографа и основополагающим произведением для жанра в целом. Скотт показал абсолютно «другую» научную фантастику — мрачную, сюрреалистическую, созерцательную. И пардон за снобизм — не для средних умов. К «Бегущему» можно относиться по-разному (например, не всем импонирует тотальная депрессивность Дика, особенно в переложении эстета и «дьявола в мелочах» Скотта), но то, что данный фильм потряс публику, создал лекала и каноны НФ-стилистики — факт. Долгое время «Бегущий по лезвию» был чем-то нерушимым, неоспоримым, словно артефакт некого культа. А потом решили снять продолжение. Да еще и без Ридли Скотта в качестве режиссера…

Естественно, публика (особенно старая гвардия адептов оригинального фильма) к этой затее отнеслась с большим скепсисом. Фильм 1982 года — это абсолют режиссерского гения Скотта, если хотите — квинтэссенция его творчества. И тут — сиквел. Спустя 35 лет (!), с «модным» Дени Вельневым в кресле режиссера. Опасаться было чего. Более того — опасения частично подтвердились. Но при этом «Бегущий по лезвию 2049» — один из стоящих фильмов данного киногода, та современная научная фантастика и антиутопия, которую стоит посмотреть.

Одна из особенностей Вильнева-режиссера в том, что даже самую дремучую, ортодоксально-научную фабулу, в которой не каждый НФ-теоретик с первого раза разберется, он может превратить в семейную драму о людях, о судьбах, о чувствах и так далее. Можно сказать, это самый человечный и сентиментальный режиссер современности. Самый яркий и свежий пример — «Прибытие» по Теду Чану, где нетривиальный, свежий для кино и для НФ-жанра в целом мотив о нелинейном времени был «слит» в мелодраматичность. Хотя, что значит «слит»? Рейтинги «Прибытия» зашкаливают — его хвалят, его любят. И во многом успех этого фильма обеспечил Вельневу место режиссера в «Бегущем по лезвию 2049».

Но даже весь такой очаровательный и котируемый современной аудиторией Дени Вильнев не смог мрачную тяжелую симфонию «Бегущего» превратить в этюд для фортепиано и семейную сагу. Хотя очень старался, и все акценты смещал именно туда. На этом месте обзора мы сделаем небольшой дисклеймер. Нет, явных спойлеров здесь не будет, но согласитесь, описать сюжет и некоторые сцены почти трехчасого фильма, не раскрыв некоторых деталей, — нереально. Итак, сиквел переносит нас в 2049-й, с момента событий первого фильма среди восстаний репликантов и прочих катаклизмов произошел блэкаут 2022 года, когда была уничтожена вся информация на электронных носителях, что сильно затормозило экономику. Обанкротившуюся корпорацию «Тайрелл» выкупает слепой гений Ниандер Уоллес (Джаред Лето), который спас человечество посредством разработки генно-модифицированной пищи. Образовывается новая технократия, Уоллес представляет новых репликантов Nexus-9 — «ангелов», неспособных на бунт. А старые модели по-прежнему придаются гонениям, на них по-прежнему охотятся «Бегущие по лезвию». Офицер Кей (Райан Гослинг) — один из них, новый «ангел», послушный андроид по госслужбе. Но очередная «зачистка» запускает цепь фатальных событий, меняет его судьбу репликанта и вызывает из небытия призраков из прошлого.

Так вот, возвращаясь к нашим электроовцам. В новом фильме с каким-то маниакальным рвением опущены все ключевые события вселенной «Бегущего». Про тотальный блэкаут мы узнаем вскользь — из диалога Кея с клерком из архива Уоллеса. Приход самого Уоллеса к власти тоже обделен вниманием, как и сам этот персонаж. На него отведены всего 2 сцены. Да, это очень сильные в эмоциональном и зрелищном плане сцены, и в актерском таланте Лето сомневаться не приходится, но персонаж раскрыт лишь слегка. А очень жаль — потенциал его огромен. Зато в новом фильме много пустопорожних диалогов, некоторые из серии «Люк, я твой отец», любовная сцена, подозрительно похожая на подобную сцену из оскароносного фильма «Она», которая не несет никакой нагрузки на сюжет, лишь «разбавляет» и без того чудовищный хронометраж. Но отдать должное — во всех промо к «Бегущему по лезвию 2049» упоминаются три короткометражки — две игровые от «друга режиссера» Дени Вильнева Люка Скотта (хотя, наверное, стоило делать упор на то, что Люк является сыном Ридли Скотта) и одна — аниме от Синъитиро Ватанабэ. Эти приквелы призваны проиллюстрировать ключевые события вселенной. У Ватанабэ это получилось весьма посредственно и чересчур специфично, зато работы Скотта-младшего весьма интересны и информативны. Но почему Вильнев не снял эти сцены сам и не включил их в свой фильм — тайна, покрытая мраком. Они точно бы не нарушили целостности киноленты, потому что она зиждется на других вещах. А именно — на атмосфере — особом технологическом фантасмагорическом нуаре уже недалекого будущего — это Дени Вельнев, дай бог ему здоровья, оставил без изменений, точнее, воссоздал один к одному с оригинальным фильмом. Мрачные урбанизационные пейзажи, где неоренессансные здания, небоскребы и руны подсвечивают холодным светом неоновые боги и монстры. Один из ярких образов — огромная проекция хрупкой балерины с надписью «сделано в СССР» на угрюмой улице мегаполиса будущего. Визуальный триумф киберпанка. И даже подмена композитора Вангелиса монументальными «периодами» Циммера и Уоллфиша воспринимается как само собой разумеющееся и не вызывает отторжения.

«Бегущий по лезвию 2049» — это тот сиквел, который заслужил современный зритель. Зрелищный, пафосный, со сглаженными углами, вышколенный и выхолощенный, с сильными актерами, постоянно нагнетаемым драматизмом и вроде бы с уважением к оригиналу. А все огрехи, как выяснилось, можно замаскировать сопутствующими короткометражными приквелами — революционная идея для современного кинематографа, кстати. Но, повторюсь, — фильм среди современных кассовых блокбастеров знаковый. 7/10

Оригинальный текст по ссылке https://sakhalin.info/weekly/140204 — ставьте плюс если вам понравилась рецензия, минус — если нет, присоединяйтесь к обсуждению на форуме ;)