Архив рубрики: Кино

Призрак в доспехах: новая веха трансгуманизма в кинематографе

kinopoisk.ru-Ghost-in-the-Shell-2888214--o--

На самом деле, удивительно, что до экранизации «Призрака в доспехах» добрались только сейчас. Культовое произведение Масамунэ Сиро, которое стало не менее культовым аниме, казалось бы, идеально создано для кинематографа. Плюс в разгар 90-х как раз случился бум различных фильмов-вариаций на тему киберпанка и смежных жанров. Но «Призрака в доспехах» он не коснулся. А может, оно и к лучшему? Современные визуальные технологии сейчас наиболее полнокровно смогли реализовать Токио 2029 года как симфонию, триумф компьютерных сетей, робототехники, нейронного имплантирования, самых смелых гипотез и предположений современных фантастов. Картинка фильма на высоте, поражает воображение и завораживает. Бетонные джунгли, новый Вавилон, что оброс неоновыми полтергейстами рекламных компаний и чудом сохранивший при этом национальный колорит. Хотели бы вы видеть будущее таким? Я — да.

Касаемо сюжета и его реализации — радует, что создатели фильма не сильно увлеклись адаптацией под современные кинореалии, и две трети фильма все-таки сохраняют аутентичность оригинала. Вплоть до каких-то мелочей, емких кадров. И к слову, как и оригиналу, этой экранизации присущи символизм, созерцательность повествования. Честно говоря, когда был заявлен каст, я (как и, наверное, многие) расстроилась, что на главную роль утвердили Скарлетт Йоханссон. При всем уважении к ее актерским заслугам, не ассоциировался у меня софт натурал типаж Йоханссон с тонкой и звонкой Мотоко Кусанаги с ледяным взглядом. Но, видимо, у Скарлетт Йоханссон после сюрреалистического «Побудь в моей шкуре» и бессоновской «Люси» выработался свой паттерн актерской игры в этом жанре. Ее Мотоко органична и убедительна в своей человеческой отрешенности и «машинной» безэмоциональности. Касательно других персонажей — нареканий нет. Точное попадание с Бато, которого здесь играет Йохан Филип Асбек. Даже блистательная Жюльет Бинош здесь на своем месте, наверное, она — одна из немногих, кто смог сыграть человека науки, терзаемого одновременно и раскаянием, и материнскими чувствами к своему творению.

И главное достоинство киноверсии «Призрака» — в ней не перечинена идея и посыл оригинала. Напротив, кажется, что новая ипостась этого классического образца трансгуманизма и киберпанка в современном искусстве призвана подтвердить этот статус. «Призрак в доспехах» фундаментален, эпичен, своим величием сбивает с ног, однако при этом «не давит» зрителя, не терзает его чувством безнадежности и обреченности. Но из кинозала вы выйдете под впечатлением. Особенно, если вы шли не на очередной блокбастер, а на встречу с призраками из своего прошлого. Бытует мнение, что тенденции цикличны и повторяются каждые 20 лет. Этим можно объяснить огромное количество фантастики в литературе и в кино, которая вышла в последнее время. А также то, почему «Призрак в доспехах» получил свое киновоплощение именно сейчас (после манги и аниме прошло 24 и 22 года соответственно). Однако именно «Призрак» — пока самое лучшее — и по визуальной, и по драматургической составляющей — что вышло во время нового киберпанк-бума в кино. За последние лет 5 точно. 10/10

https://www.sakhalin.info/weekly/130240/

«Демон внутри» и инквизиция снаружи

kinopoisk.ru-The-Autopsy-of-Jane-Doe-2876965

Так сложилось, что хоррор в современной своей форме стал скуп на «открытия» — на новые имена, сюжеты. То, что выходит сейчас в прокат, — это либо перезапуски или продолжения устоявшихся франшиз, либо работа в четких рамках поджанров — тот же уже набивший оскомину home invasion или зомби-апокалипсис. Авторское кино периодически радует, но все-таки не в таких масштабах, как этого бы хотелось (на то оно и авторское кино). А уж такого новаторского, оригинального продукта, каким стал фильм «Ведьма из Блэр» с момента его выхода и не наблюдалось. «Вскрытие Джейн Доу» (которое в нашем прокате резко стало «Демоном внутри») — конечно же, не «Ведьма из Блэр», они представляют две различные категории ужасов, и сложно представить, что «Демон внутри» станет родоначальником тенденции, которой будут активно пользоваться кинематографисты следующие десятилетия (как «репортажная съемка», отсутствие в кадре антагониста истории у «Ведьмы»). В «Демоне» все наоборот. Довольно стандартная завязка истории, герои, переживающие личную драму, и морг где-то глубоко в провинции. Можно сказать, классика, штампы и каноны. Но Андре Овредал, так долго искавший идеальный сценарий, смог увести повествование в совершенно непривычное для зрителя русло, задействовать исторические события без декораций и костюмов и действительно удивить.

Итак, как я уже упомянула, действие происходит в морге, своеобразном семейном бизнесе, патологоанатома Томми Тилдена и его сына и помощника Остина, который думает, как бы упорхнуть из родового скорбного гнезда. Однажды ночью шериф привозит тело молодой неопознанной девушки, которое непонятно как оказалось на месте зверского преступления. Очевидных причин смерти на ее теле не наблюдается, и у отца и сына всего лишь одна ночь, чтобы установить, от чего погибла девушка. Почти, как в «Мафии», — наступает ночь, шериф уходит, просыпаются демоны (?).

Здесь стоит поставить маркер — спойлер. Не то чтобы хотелось раскрывать сюжет, но дальнейший обзор не будет полным без акцента на некоторые детали в сюжете. Овредал очень умело, не прибегая к очевидным образам — таким, как костры и эшафоты, касается темы салемских процессов над якобы ведьмами. Здесь нет сцен, где пуритане мучают женщин и детей, чтобы выбить с них признания о связи с дьяволом и ведьмовстве. Как и не будет сцен того самого ведьмовства — в дремучем лесу, с шабашами, артефактами, козлами и черными котами. Все это режиссер оставляет фантазии зрителя. Как и осознание, какова цена подобных предрассудков.

На самом деле, удивительно, как Андре Овредал смог в одной камерной локации уместить все события и сохранить всю динамику происходящего. И, наверное, это самый главный минус «Демона внутри» — фильм слишком уж стремительный. Оттого и воспринимается как короткометражная работа, несмотря на свою композиционную целостность. Но уж лучше так, чем зевать от обилия монстров, фонтанов крови или два часа кряду ломать зрение, в попытках что-то различить в темной «картинке». При всей своей стремительности «Демон внутри» успевает напугать, раскрыть личную трагедию семьи Тилден, вынести какую-никакую мораль и избежать пошлого намека на «продолжение следует». То есть в этом фильме нет ничего, что могло бы «смазать впечатление» или же разочаровать.

Как я говорила, «Демон внутри» модную кинотенденцию не задаст, начало франшизе не положит (что хорошо!), но зато открывает нам нового режиссера с оригинальными идеями и свежими представлениями о жанре ужасов. В кои веки зритель в выигрыше. 8/10

https://www.sakhalin.info/weekly/129897

Т2 Трейнспоттинг: Обратно на дно

kinopoisk.ru-T2-Trainspotting-2843554

Экранизация дебютной книги Ирвина Уэлша «На игле» (которая в оригинале называется Trainspotting) в свое время, в те самые гремящие 90-е, произвела эффект взорвавшийся бомбы и для британского кино, и для кинематографа в целом. Впрочем, как и книга, которая потрясла литературный мир всего 2-3-мя годами ранее. Уэлш сразу стал цитируемым писателем, а режиссер Дэнни Бойл сразу стал желаемым для многих проектов. Все это вместе — нетривиальный сюжет и радикальное, новаторское (на тот момент) его воплощение — на большом экране стало своеобразным памятником контркультуре — монументальным, пугающим, шокирующим, оттого незабываемым. «На игле» показал не декадентскую богему, как его предшественники по жанру, а жизнь вполне обычных ребят с окраин Эдинбурга, так сказать, соли шотландской земли. Не «секс, наркотики, рок-н-ролл», а просто «наркотики, безысходность, трэш». Многое Уэлша списал со своей жизни, со своего окружения. В этом плане «На игре» был достаточно приземленным, понятным фильмом, несмотря на весь его «психоделический» задел. Но хватит о славном прошлом, давайте о настоящем.

«Т2 Трейнспоттинг» вышел как нельзя вовремя. Вся эта повальная, всепоглощающая ностальгия по 90-м (даже у тех, кто их особо-то не застал) сейчас в тренде. Выйди этот фильм, как и планировалось изначально, через 9 лет после первой картины, такого эффекта бы не было. А 21 год — идеальный срок. Мир изменился, если не кардинально, то близко к этому, и главным героям вписаться весьма сложно, несмотря на все их усилия. Ибо их объединяют те привычки, которые «вторая натура». Рентон, который ценой предательства, вроде бы сумел вырваться из этой среды, но в итоге все равно был выброшен на обочину жизни. Мерфи, у которого вроде бы тоже все наладилось, но один единственный час пустил его жизнь под откос. Вот только Саймон и Бегби не пытались ничего изменить в своей жизни. Первого вроде бы все устраивает, да и вымогательства дают свою прибыль, а второй был все это время в тюрьме и вот теперь совершает побег. Далее идет калейдоскоп из личностных фрустраций, осознания упущенных возможностей, судорожных попыток это исправить, флешбэков, призраков из прошлого всех мастей, старых улочек Эдинбурга, емких и хлестких диалогов, хорошей музыки, «приходов от хмурого». И, конечно же, обновленный монолог Рентона «Выбери жизнь», который и в этом фильме остается основным лейтмотивом.

Почему «Т2 Трейнспоттинг (На игле 2)» удался как сиквел? Потому, что он скроен против правил современных сиквелов. Его невозможно понять без просмотра первой части, у него четкая целевая аудитория (этот фильм только для поклонников «На игле»). Он не распыляется на широкие массы и современные тренды кинематографа, как я упомянула выше, — он сам стал трендом. Он сохранил оригинальный состав актеров и создателей, и в основе его сюжета так же роман Ирвина Уэлша. «Т2 Трейнспоттинг» сохранил все свои привычки. Превзошел ли этот фильм первую часть истории? Нет, конечно. Очевидно, что у него и не было данной цели. По-хорошему, «Т2 Трейнспоттинг» воспринимается как 2-часовой эпилог. Этакий довольно сдержанный рассказ о дальнейшей судьбе главных героев. Логичный финал, который те, кто прочувствовал суть «На игле», и так могли себе представить. Но воплощение на экране должно было закрепить результат. Плюс Дэнни Бойл завершающей сценой смог грамотно закольцевать сюжет, за что ему большое спасибо.

«Т2 Трейнспоттинг (На игле 2)» — кино не для всех и не про всех, но при этом оно четко бьет в цель, вызывая ностальгию и прочие сентиментальные чувства. Фильм-аттракцион, фильм-машина времени, стремительно уносящий и главных героев, и зрителя на цветных поездах с обоев в комнате Рентона под Lust For Life Игги Попа. 8/10

https://www.sakhalin.info/weekly/129261

Младшая сестра: Cry, Little Sister

kinopoisk.ru-Little-Sister-2821629

Авторское кино на «субкультурную» тему — вид редкий, то кино «не для всех», что в среде не для всех. А в настоящие время — так и подавно. Но все таки, благодаря таким деятелям как Зэк Кларк этот поджанр кое-как существует. Впрочем, режиссер здесь несколько схитрил. В чем? Сейчас расскажем.

Итак, совсем недавнее прошлое. Юная Коллин готовится принять постриг в монахини и занята обычным бытом послушницы. Вроде бы все складывается неплохо, но после разговора с настоятельницей, Коллин решает навестить семью, с которой она не общалась достаточно долго. Семья — это родители «свободных» нравов, брат, который вернулся с Ирака обезображенным и не может войти в колею обычной жизни. Таким образом, Коллин настигает ее прошлое, где помимо «веселых» родителей, общих интересов с братом, были и густо накрашенные глаза и музыка Christian Death. Любимый брат не идет на контакт, родители не могут понять уход Коллин и она решает принести в жертву свои принципы и ценности, чтобы объединить семью и достучаться до каждого из них.

В чем главное достоинство фильма — здесь досконально проработан образ и натура героини. Ей сопереживаешь, ее понимаешь — то есть образ Коллин получился целостным, из реальной жизни. И еще одно достоинство (хотя для субкультурного кино это скорее минус), при всех всплывающих темах в сюжете (вопрос веры, военный конфликт в Ираке, готическая субкультура, мещанство во всей красе) здесь нет явного акцента на что-то одно из этого перечня. Нельзя сказать что этот фильм о религии, о войне, о готах или о повседневной рутине. Возможно, создатели фильма хотели осветить более глубокую и проблематику (и можно сказать им это удалось), сделать целевую аудиторию больше, но зачем тогда на единственный вариант постера «выводить» готичную Коллин? Очевидно, что это небольшая уловка, на которую я и повелась, кстати. Но тот, кто ожидал что-то в духе «Где бы ты ни был» или «Джипси 83» жестоко накололся. Хотя, на мой, не на что претендующий взгляд, стоило сделать ставку на такие сцены в фильме, как момент где Коллин прорывается в комнату брата с громким перфомансом, или празднование семейством Хеллоуина с печеньками-сюрпризами. И еще чуть внимательнее отнестись к саундтреку. Нет, он, конечно, прекрасен, но все-таки чего-то отчаянно в нем не хватает.

«Младшую сестру» довольно сложно отнести к жанру трагикомедии. Здесь есть конечно и юмор, и гротеск, и такие эпизоды как в начале фильма (костюмированная сценка о 11 сентября — что называется и смех и грех), но в целом это прежде всего мощная семейная драма. При этом в ней нет «тяжести» или безысходности, нет того осадка, от которого будешь отходить три дня — но это в некоем случае не нивелирует фильм. То кино, которое можно рекомендовать всем и периодически самому пересматривать под соответствующее настроение и во имя Розза Уильямса великомученика ;)

9/10

https://gothic.com.ua/Sections/Cinema/3547.html

Логан: Росомаха — если бы молодость знала, если бы старость могла

kinopoisk.ru-Logan-2895252

История «Людей Х» в последние свои годы превратилась в некий квест по захвату всех кинематографических жанров. Особенно в той части, которая касается одного из топовых персонажей — Росомахи. Его выход на первый план в 2009 году — картина «Люди Икс: Начало. Росомаха» стала весьма провальной попыткой сделать из супергеройского кино суровый боевик. Затем последовала смена режиссера (на Джеймса Мэнголда) и с момента выхода фильма «Росомаха: Бессмертный» его история действительно начала приобретать драматический окрас (ибо у Мэнголда в этом навыков побольше, чем у предшественника Гэвина Худа). Следом вышли фантасмагорические, новаторские на тот момент для франшизы, «Дни минувшего будущего», потом ностальгический и стильный «Апокалипсис», и вот теперь после всех этих Х-метаний между прошлым, будущим, 70-ми, 80-ми, трагедиями и комедиями мрачный и почти философский «Логан» воспринимается почти как «Седьмая печать» Бергмана. Это утрированно, конечно, но даже целевая аудитория «Людей Х», кажется, не ожидала столь мрачного, жестокого и вместе с тем «человечного» фильма.

В чем главный успех «Логана», так это в том, что была грамотно выбрана сюжетная канва. Рассказ о трудном детстве Лоры Кинни, пускай и переиначенный командой сценаристов, временной промежуток (будущее и соответственно старость Логана), сведенное к минимуму количество мутантов в кадре и сцен, где они проявляют свои способности — все это делает фильм больше философской притчей о смысле жизни, счастье, преемственности и о том, как необратимы бывают некоторые поступки и решения. Даже совершенные во имя блага. Итак, Логан после трагических событий (которых в фильме касаются вскользь) пытается существовать в новом мире, где уже нет места мутантам. Он работает таксистом, много пьет, здоровье его подводит. Единственный благородный отблеск былого супергеройского величия заключается в том, что Росомаха вместе с Калибаном ухаживают за профессором Ксавьером, у которого, предположительно, развивается болезнь Альцгеймера. И в один прекрасный день эту симфонию безысходности и апатии нарушает маленькая немногословная девочка с адамантиевыми когтями — «ошибка» корпорации под руководством Зандера Райса. Лора должна была стать идеальным оружием X-23, но волею судеб и сердобольности низшего звена персонала лаборатории смогла бежать, как и другие дети-мутанты, созданные Райсом. На них объявлена охота, и Росомаха вынужден сделать довольно мучительный в его возрасте выбор.

«Логан: Росомаха» одновременно имеет черты и постапокалипсиса в духе «Безумного Макса», и вестерна, и роуд-муви. Здесь вы не увидите ярких трико, всего того фантастического визуального великолепия, которое было в тех же «Днях». Зато будет несколько оторванных голов и кровавых боев — в этом смысле фильм соответствует заявленным возрастным ограничениям. И, конечно же, диалоги, в которых режиссер Джеймс Мэнголд раскрывает трагедию персонажей. Причем эти трагедии отнюдь не супергеройские, а вполне человеческие, можно сказать, бытовые. О том, во имя чего была потрачена жизнь, стоило ли оно всего этого, о том, как важны семья и привязанности. Поэтому «Логан» так и тронул зрителя — здесь никто с пафосом не спасает вселенную от опасности, не замарав при этом костюма и не испортив прическу. И Росомаха здесь не дерзкий и циничный герой, а отчаявшийся немолодой обычный мужчина, который в иной ситуации максимум что может сделать, так это пинать машину от осознания собственного бессилия. И такая «смена декораций» даже ошеломляет. Более-менее привычный вид Росомаха приобретает к концу фильма, но все равно это далеко от «эпичного возвращения супергероя».

Своей драматичностью и «сложностью» финал истории, конечно, обязан Мэнголду. Человек, который в свое время представил совершенно удивительную экранизацию «Прерванной жизни», здесь наконец-то проявил себя в полной мере как режиссер. Даже личная симпатия Джеймса Мэнголда к вестернам здесь пришлась к месту. И действительно, окончание саги о «Людях Х» может стать началом чего-то нового. Как вариант, уход от пафосных блокбастеров в пронзительные философские притчи, заставляющие зрителя думать и сопереживать. Хотя это слишком претенциозное ожидание. 7/10

https://sakhalin.info/weekly/128886/

Обитель зла: Последняя глава — без начала и конца

kinopoisk.ru-Resident-Evil_3A-The-Final-Chapter-2885045

Понятно, что 15 лет для франшизы по меркам современного кинематографа — не срок, но для «Обители зла» — все-таки достижение. За исключением второй и третьей частей режиссером был Пол У.С.Андерсон (но как продюсер и сценарист он «присутствовал» во всех частях). И, конечно же, Милла Йовович в роли Элис, с чьим образом «Обитель зла» неразрывно связана. В общем плане за эти 15 лет экранизация мегалегендарной игры Resident Evil стала таким уютным семейным предприятием, что ей прощались и существенные огрехи в сюжете, и уже явное расхождение с игровым оригиналом, и присутствие штампов, и многое другое. Зритель стабильно ходил на эти фильмы 15 лет, не расплываясь во восторге, порой задаваясь вопросом «Что там можно было еще снять?». Но ходил, повторюсь, стабильно и исправно и ходил бы так дальше, но тут Пол У.С.Андерсон принял благородное решение завершить все это «Последней главой». Действительно, история уже давно требует логической развязки. Но насчет того, станет ли глава последней и насколько она логична, здесь возникают большие сомнения.

Фильм начинается с небольшой ретроспективы, кратко рассказывающей о ключевых событиях в предыдущих фильмах. Затем мы видим постапокалиптические пейзажи — результат эпидемии Т-вируса корпорации «Амбрелла». Нестареющая Элис все также отважно сражается с полчищами зомби и мутантов, пока вдруг на связь с ней не выходит «Красная королева» — искусственный интеллект, отвечающий за обеспечение деятельности и защиты корпорации. Красная королева говорит о том, что существует антидот, нейтрализующий действие Т-вируса, но, чтобы добраться до него, Элис нужно попасть в Улей, находящийся в Раккун-сити, в ближайшие 48 часов. Там помимо антидота Элис найдет все ответы на свои вопросы. Во время поездки в Раккун-сити в лучших традициях «Безумного Макса» выясняется, что доктор Айзекс не был убит в третьей части и его отряд истребляет оставшееся в живых человеческие поселения. Одно из таких поселений как раз оказывается в Раккун-сити, где Элис встречает старую знакомую Клэр Рэдфилд, которая с другими добровольцами решает помочь Элис проникнуть в Улей.

Казалось бы, история вполне себе имеет логику и смысл, если бы не реализация. Эпичное возвращение в родные пенаты предполагает и локации первого фильма, и раскрытие второстепенных сюжетных линий, и, если не присутствие ярких персонажей саги, то хотя бы упоминание о них. В «последней главе», если это и присутствует, то где-то в соотношении 1/5. Локации первого фильма сводятся к «лазерной комнате», замызганной временем и боями, мотивация Красной королевы объясняется чересчур просто, вызывая еще больше вопросов. Что же до персонажей — здесь нет долгожданных Джилл Валейтайн, Ады Вонг, Леона Скотт Кеннеди, Криса Рэдфилда — только его сестра Клэр и главные антагонисты Айзекс и Вескер. И казалось бы, напоследок «Обитель зла» порадует поклонников зрелищностью и спецэффектами — но нет. «Картинка» максимально приглушена — мой «любимый» прием современных кинематографистов — как будто 106 минут фильма всматриваешься в глубокую нору. А те сцены, что на поверхности, глубоко вторичны — мы уже видели подобное и в вышеупомянутом, реанимированном «Безумном Максе», и в третьей части самой «Обители зла», и еще в добром десятке постапокалиптических фильмов. Хотя нельзя сказать, что «Последняя глава» совсем безнадежна — у нее есть своя динамика — «рваный» монтаж, неплохая работа оператора, много «бу-эффектов» в первой половине ленты, держащих в тонусе зрителя. Но для финала это кажется недостаточным. И тем более ставит в тупик, что Пол У.С.Андерсон оставляет этот финал все-таки открытым. Но будем надеяться, что это сила привычки, не более.

Нельзя сказать, что «Обитель зла: Последняя глава» поставила жирную точку в истории о корпорации «Амбрелла» и проекте «Элис». Эта точка была поставлена ранее и больше в сознании зрителей и поклонников Resident Evil (причем сначала у вторых, потом у первых), а все остальное уже воспринималось больше «фантазией на тему». Но за упрямство и выдержку, а также за здравый смысл и чувство меры (?) Полу У.С.Андерсону стоит поставить 5. 5/10

https://www.sakhalin.info/weekly/127998

Голос монстра: мир жестоких сказок и неподдельных эмоций

A_Monster_Calls-1

Замечательно, что в прокат выходят такие фильмы, как «Голос монстра». Пронзительные, сложные, печальные и трагичные, но при этом очень светлые. Экранизация романа Патрика Несса получилась именно драмой — без приставок и пометок «психологическая», «фэнтези». Безусловно, там есть что-то от этих поджанров, и фантасмагорическая зрелищность, и визуальная составляющая в фильме на высоте, но все-таки акцент идет на историю 12-летнего мальчика Конора (Льюис МакДугалл), который остро переживает тяжелую болезнь своей матери Лиззи. Действительность давит на Конора, и проявляется его эскапизм в виде монстра — ожившего старого тисового дерева (Лиам Нисон). Монстр каждый раз приходит в 12:07 и рассказывает Конору истории-притчи, иногда сложные, иногда жестокие, но это позволяет мальчику хоть как-то разобраться в происходящем и в себе. Иногда Монстр «толкает» Конора на безрассудные поступки, а иногда становится главным его защитником. Особенно в финальной сцене.

Здесь, наверное, стоит отметить, что фильм очень иносказательный, наполненный большим количеством аллегорий, аллюзий. Кроме того, он достаточно сюрреалистичен, действие его происходит сразу в нескольких вымышленных мирах и одновременно в серой реальности английской провинции. При этом история не распадается на куски, один мир крепко обвивает другой, как ветви и корни тисового дерева. Даже анимационные вставки здесь воспринимаются как само собой разумеющееся. И кстати, анимация восхитительна. Возможно, она некоторой аудитории покажется мрачноватой и специфической, но в контексте данной истории другой она быть не может.

В «Голосе монстра» очень сильно чувствуется влияние режиссера. Действие всех своих фильмов Хуан Антонио Байона начинает незамедлительно, истории его динамичны, при всей созерцательности некоторых (подчас ключевых) сцен. Это присутствует и в данном фильме — порой возникает ощущение, что смотришь «Голос монстра» где-то с середины. Впрочем, это не вызывает никакого дискомфорта, все-таки, несмотря на эти колебания между «сном и реальностью», Байона последователен и обращен в своем творчестве к человеческим эмоциям и душевным метаниям главного героя. Он лаконично и просто рассказывает об оглушительном одиночестве 12-летнего мальчика, о его страхе потерять, отпустить единственного любимого человека, о конфликте с холодной (на первый взгляд) чопорной бабушкой (Сигурни Уивер), о его отце (Тоби Кеббелл), который вроде бы и не плох, но уже давно строит свою жизнь, и для Конора там места уже нет. Эта, казалось бы, нехитрая история у Байона становится истинной драмой — той, которая с комком в горле и со слезами в кинотеатре.

Еще одна сильная сторона «Голоса монстра» — это актерский состав. Сигурни Уивер, которая смогла показать всю эволюцию горя родственника умирающего человека. Фелисити Джонс, которая смогла передать всю хрупкость и при этом силу духа мамы главного героя, и, конечно, Льюис МакДугалл — столь юный возраст и столь убедительная актерская игра. Хотя, возможно, Льюис МакДугалл особенно и не играл, ибо незадолго до съемок у него в семье случилась потеря близкого человека. Но в любом случае — у него большое будущее как у актера.

«Голос монстра» — то кино, которое невозможно, да и не нужно долго описывать, иначе сей обзор утонет в восторгах и комплиментах. Его просто стоит один раз посмотреть. 10/10

https://sakhalin.info/weekly/127594/

«Молчание» что громче любых слов

kinopoisk.ru-Silence-2862380--o--

Режиссерский гений Мартина Скорсезе в подтверждении уже давно не нуждается. И отнюдь не только благодаря оскароносным «Отступникам», топовым фильмам «Остров проклятых», «Банды Нью-Йорка», «Казино», «Славные парни». Он мог бы вписать свое имя в историю кинематографа благодаря одной только экранизации Никоса Казандзакиса «Последнее искушение Христа» в 1988 году. Но Скорсезе не стал останавливаться на этом, выдав еще один сложный философский эпос «Кундун» в 1997 году и теперь — реализовав свой проект, отложенный некогда в долгий ящик, — «Молчание». Роман Сюсаку Эндо — само по себе произведение монументальное, волнующее умы историков и творческих деятелей сразу с момента его выхода в 1966-м. По «Молчанию» была поставлена пьеса, была уже одна экранизация в 1971 году, в Нагасаки (где и происходит действие книги) поставлен памятник с высеченной цитатой из романа, а сам Сюсаку Эндо считал его одним из ключевых произведений в своем творчестве. «Молчание» переоценить сложно. И, наверное, хорошо, что его экранизацией занялся именно Скорсезе, и вдвойне хорошо, что он не торопился с его съемками. В итоге мы имеем достойное кинематографическое произведение с глубокой философской темой, изложенной внятно и лаконично — без перекосов и перегибов, без эмоциональных спекуляций и вольных интерпретаций автора этой истории. Безусловно, авторское видение Скорсезе присутствует, но ровно настолько, насколько это необходимо. «Молчание» — не пропагандирующее, а созерцательное кино, которое ставит вопросы перед зрителем, но не отвечает на них.

Сюжет «Молчания» повествует о двух португальских священниках-иезуитах — отце Родригесе (Эндрю Гарфилд) и отце Гарупе (Адам Драйвер). Они молоды, идейны, даже несколько фанатичны в вопросах веры и миссионерской деятельности. Как, впрочем, и любые другие священники в XVII веке. Когда до них доходит весть о том, что отец Феррейра, будучи в Японии (португальская миссия прикладывала много усилий для христианизации Страны восходящего солнца), предал свою веру, Родригес и Гарупе отправляются на его поиски, чтобы опровергнуть эти слухи и продолжить миссионерскую деятельность в этот непростой период, когда японские христиане подвергались жестким гонениям. В Макао они находят своего проводника — Китидзиро, который, как выясняется позже, также пострадал от «японской инквизиции». Прибыв на место Родригес и Гарупе понимают, что описанные в редких письмах к курии зверства и пытки «инквизиции» не преувеличены, а, скорей, наоборот. Теперь для них становится целью не сколько проповедовать, сколько выжить и не потерять при этом веру.

Повествование ведется от лица падре Родригеса — именно его глазами мы видим всю жестокость Японии, все гонения на обычных крестьян, ужасные пытки. Именно в его уста вкладываются все ключевые фразы. Именно он показывает и объясняет (прежде всего себе) свою силу веры. Здесь, наверное, стоит отметить, что «Молчание» состоит из очень емких диалогов (впрочем, это отличительная черта Скорсезе), которые раскрывают суть основного конфликта в ленте. Чего стоит сравнение «инквизитора» Иноуэ миссионерской деятельности и проповедования христианства в Японии с «любовью уродливой женщины», а стран, прибывших сюда (Испания, Португалия, Голландия, Англия), — со скандальными наложницами одного мужа, которые способны разрушить дом. Для «Молчания» присуща некая «притчевость» и в общем, и в узком смысле — и в диалогах главных героев, и в сценах. Естественно, здесь очень много аллюзий на Библию. Например, самая яркая и очевидная — история предательства за тридцать сребреников.

При внушительном хронометраже (161 минута) «Молчание» смотрится на одном дыхании. Во многом благодаря потрясающей работе оператора Родриго Прието. Каждый кадр — произведение искусства. Прието как-то удалось передать дух Японии в ее суровой величественной природе — туманы, ледяное море, свинцовое небо. Даже самые жесткие сцены оператор смог представить с некой медитативностью, то есть зритель понимает этот ужас, но он не пугает его, не вызывает отвращения, не подавляет морально. Но при этом он передает эмоциональность ключевых сцен, не прибегая к стандартной игре на контрастах, а лишь действуя на полутонах. Есть много нюансов операторской работы, которыми стоит восхититься, но у нас есть определенные рамки формата рецензии. Очень жаль, если «Оскар» за операторскую работу в этом году уйдет другому.

Также у фильма отличный каст. Изначально на главные роли были утверждены совершенно другие актеры, но Эндрю Гарфилд и Адам Драйвер здесь настолько органичны, что сложно представить на их месте других. Игра Гарфилда — можно сказать, открытие. Хотя нельзя сказать, что весь фильм держится на нем, но с поставленными задачами он справился вполне убедительно. И, конечно, Лиам Нисон. Хотя здесь он присутствует одну треть от экранного времени, но именно появление его героя становится главной кульминацией «Молчания». Я не знаю, кто кроме Нисона, смог бы так сыграть смирение и покаяние, отрешенность и при этом бурное сочувствие.

При всей явной религиозности «Молчания» этот фильм поднимает проблематику, которая идет дальше вопросов веры. Этот фильм не только о христианстве, но и о человеческой сущности, способности (или неспособности) сохранить себя и свои убеждения. Это если очень кратко и очень поверхностно. Но иначе выносить это все в данную рецензию смысла-то особого нет — слишком тонкие материи. Фильм очень личный во всех смыслах — и для режиссера, и для каждого зрителя. Если, конечно, зритель настроен на столь глубокие рассуждения — тогда он определенно получит ответы на свои вопросы. Даже при полном молчании. 10/10

https://www.sakhalin.info/weekly/127197

Ла-ла лэнд: куда приводят мечты

kinopoisk.ru-La-La-Land-2841102

Как отличить хороший фильм от посредственного? На самом деле, это очень просто. И для этого даже не нужно подсчитывать кассовые сборы, количество наград и положительные отзывы. Хороший фильм вы будете «прокручивать» в мыслях вновь и вновь, анализируя те или иные сцены, в то время как про посредственный забудете сразу же после выхода кинотеатра.

На самом деле удивительное, но, к сожалению, порядком подзабытое чувство — находиться под впечатлением от кино, проникнуться им до глубины души. Особенно, когда не ждал ничего такого, а просто шел на очередной мюзикл. А в итоге получил пронзительную историю любви, где красной нитью проходит тема поиска себя в этом мире, следование за мечтой вопреки всему. Но при этом «Ла-Ла Ленд» идет в обход избитых штампов. Он сентиментальный, но эта сентиментальность не из тех, что направлена любой ценой выбить слезу из зрителя. Он яркий и музыкальный, но без водевильного гротеска. На самом деле, все эти песни, танцы, характерные мизансцены, реверансы в сторону Золотого века Голливуда — здесь не главное, а, скорее, «обрамляющее» основную историю. Не цель, а способ донести до зрителя эту историю так, чтобы он ее и понял, и прочувствовал. Не хотелось бы здесь использовать избитый термин «игра на контрастах», но он здесь присутствует, правда, не в той «очевидной» форме, к которой привык зритель. Да и главное преимущество «Ла-Ла Ленда» — он очень талантливо создан и проработан до мелочей. В нем нет той коммерческой динамичности, которая превалирует сегодня в прокате. Этот фильм для совершенно иной публики.

Обратимся к сюжету. Мия мечтает играть в кино, ходит на многочисленные кастинги, которые не приводят к результату. И Мия, как тысячи других старлеток, подрабатывает в кофейне, периодически выбирается на шумные вечеринки, стараясь «примелькаться». Себастиан — увлеченный музыкант, фанат олдскульного джаза, «прогорает», вложившись в сомнительное дело, и вынужден играть рождественские песни по ресторанам и хиты 80-х по тем самым шумным вечеринкам. Сначала они совсем не понравились друг другу, но позже начинается их трогательная история любви. Мия и Себ пытаются выжить в реалиях Голливуда, поддержать друг друга, и их чувства искренние. Но обстоятельства заставляют их сделать выбор. А позже терзать душу сомнениями — «а что, если?».

Здесь, наверное, стоит поставить слово «спойлер», чтобы не ранить чувства тех, кто этот фильм еще не посмотрел, и пообщаться с теми, кто фильм уже видел. Да и развязка фильма настолько сильна в эмоциональном плане, что было бы преступлением не коснуться ее в обзоре. Если первая часть (точнее, две трети фильма) довольно созерцательная, с множеством красивых, романтичных сцен (танец на холме около парковки, поход в кинотеатр и «полет» в музее), то «альтернативное» развитие событий происходит стремительно, анимационно, ярко: «Ла-Ла Ленд» во всей красе — счастливый, безмятежный, именно та концовка, которую ожидал зритель. Но смог бы он тогда прочувствовать эту историю? Понять, что идет на жертвенный алтарь мечты, и стоит ли оно того? Может быть, стоило уступить? Поддержать? Наступить на горло собственным амбициям? Концовку можно было бы назвать жестокой по отношению к зрителю, но нет. Она просто жизненная. Любовные лодки повсеместно разбиваются о быт, об обстоятельства, об то, что мы называем «мечтой всей жизни», не видя всей картины и тех вещей, из чего эта жизнь собственно и состоит.

Но при всей этой драматичности «Ла-Ла Ленд» — фильм удивительно светлый и, как ни странно, легкий. Он лишен пошлости, обыденности. У него нет привязки ко времени — эта история могла бы произойти и в 30-х, и в 50-х, и сейчас. Замечательный дуэт актеров Райана Гослинга и Эммы Стоун — они очень органичны в своих ролях, и можно согласиться с режиссером Дэмьеном Шазеллом, что они действительно напоминают классическую влюбленную пару Золотого века Голливуда. Да и самого Дэмьена Шазелла хочется поблагодарить за упорство и благородные стремления — создать столь «неформатный» по современным меркам фильм, явить его миру и поразить им зрителя. Впрочем, еще с момента выхода «Одержимости» стало ясно, что Дэмьен Шазелл далеко пойдет как режиссер.

Обязательно посмотрите этот фильм. Выкроите время (а это сложно, ибо в российском прокате на эту ленту выделено бессовестно мало сеансов, не будем показывать пальцем из-за чего и из-за кого) и сходите вместе с любимыми, близкими, друзьями, родными. Этот фильм того стоит. 10/10

https://www.sakhalin.info/weekly/126685/

Кредо убийцы: От туманов Шотландии до пыли Андолусии

kinopoisk-ru-assassin_27s-creed-2848924-o

Легенду всех геймеров мира — игру Assassin’s Creed — долгое время считали неподлежащей и неподходящей для экранизации. Но, видимо, тенденция последних лет выводить на большой экран все и вся — от классических произведений до комиксов и видеоигр — диктует свои правила. Вот и Ubisoft решила явить миру киноверсию Assassin’s Creed.

Здесь, наверное, сразу стоит отметить одну характерную черту этой видеоигры , которая для большого экрана могла стать главным достоинством и одновременно главным проклятием — сюжет разворачивается параллельно в двух временных плоскостях. В данном случае — это наши дни, жизнь преступника Каллума Линча, и Испания 15-го века — время ассасина Агилара. Достоинство заключается в том, что нетривиальный сюжет очень часто способен спасти посредственный фильм. А проклятие — создатели фильма смогут не удержаться от акцентирования лишь на одной временной плоскости, сделав фильм либо псевдоисторическим или же, напротив, уйти в фантастический жанр с концами. Для экранизации Assassin’s Creed, прежде всего, был найден исполнитель главной роли — Майкл Фассбендер, который впоследствии стал продюсером ленты и «подтянул» в проект режиссера Джастина Курзеля, оператора Адама Аркпоу и актрису Марион Котийяр. Все эти люди ранее вместе работали над шекспировским «Макбетом». Так, созерцательность и неспешность «Макбета» перетекла в «Кредо убийцы». Но если одной из величайших пьес это было все к лицу и там драматическую составляющую проработали от и до, то в фильме «Кредо убийцы» драма схематична, а динамика повествования (столь, казалось бы, логичная для экранизации игры) пострадала очень сильно.

Да и структура фильма, уж будем честны, разрозненна и делится на три пласта, которые поменяй между собой местами — никто и не заметит особой разницы. Это три сеанса главного героя Каллума Линча в «Анимусе» — машине корпорации «Абстерго Индастриз», которая воссоздает в памяти Линча события из жизни его предка ассасина Агилара. Тем самым «Анимус» переносит действие в Испанию времен тамплиеров и костров инквизиции. Да, конечно, это все зрелищно — тем более что создатели фильма ратовали за аутентичность этих сцен, кропотливо работая над локациями, костюмами. Насчет трюков тоже нареканий никаких — чего стоит «прыжок веры» или сцена погони на конных повозках. Но при всей этой зрелищности «Кредо убийцы» смотреть скучно. Парадокс.

Возможно, дело в актерской игре. Хотя состав у фильма блестящий — Фассбендер, Котийяр, Айронс, Глисон. Но когда дело доходит до драмы, трагедии (а таких моментов в фильме предостаточно) — но отрешенность (которая по задумке авторов должна быть загадочностью и мистикой) главных героев портит все. Я не сторонник, когда из зрителя выбивают слезу и давят на чувство, но с другой стороны, если режиссер Курзель замахивался на тот же конфликт «отцов и детей» и на вопрос, каковы истоки насилия, то он должен был сделать ключевые сцены более эмоциональными. Но этого не случилось, увы. Даже Марион Котийяр, заслуженно считающаяся одной из «сильных» атрисс современного кинематографа, здесь показала аж полторы эмоции. Следить за ней в кадре было неинтересно.

Что мы имеем в сухом остатке? Несмотря на то, что картина «Кредо убийцы» со всех сил пыталась удержать дух «оригинала», снабжая ее масштабными сценами, уделяя внимание деталям и мелочам, пытаясь вычленить философию в сюжете, зритель получил декоративный, неинтригующий, скучный фильм. Посмотреть его стоит, но, наверное, больше «фоном» и не жертвуя особо свободным временем. Все-таки, наверное, есть те вещи и произведения, которые экранизировать не стоит. А уж тем более запускать франшизу. 5/10

https://www.sakhalin.info/weekly/126380